2022 아르코 융복합 페스티벌 ARKO Art & Tech Festival
땅속 그물 이야기 The Fable of Net in Earth, 2022.8.11.-10.23
땅속 그물 이야기 The Fable of Net in Earth, 2022.8.11.-10.23
1. 전시소개 Introduction
2. 오프라인 전시 Offline Exhibition
3. 온라인 전시 Online Exhibition
4. 참여자 & 크레딧 Participant & Credit
- 1. 전시소개 Introduction
- 2. 오프라인 전시 Offline Exhibition
- 3. 온라인 전시 Online Exhibition
- 4. 참여자 & 크레딧 Participant & Credit
1.
전시소개 Introduction
2022 아르코 융복합 예술 페스티벌 «땅속 그물 이야기»는 점점 더 가속화되어가는 초연결 사회에서 디지털 네트워크와 예술 창작 환경의 변화를 살펴보고, 이러한 경향이 사변적인 이야기를 넘어 현실의 실천으로 이어지는 세계를 탐구하는 전시입니다. 이는 가상과 현실을 연결한다는 환상을 증강현실, 인터랙션과 같은 디지털 기반 기술로 구현하는 것이 아니라, 사변적 또는 상상적 이야기가 앎과 실천으로 연결되어 세계의 지각변동을 일으키는 방식에 주목합니다. ‘땅속 그물 이야기’는 웹 3.0의 탈중앙화된 네트워크 체계를 땅속의 그물망인 버섯, 곰팡이와 같은 균사체 시스템에 비유합니다. 그동안 드러나지 않았던 인간, 자연, 신화적 존재의 얽힘을 땅속 존재들로 호명하고 이들이 그려내는 ‘세계 짓기’(worlding)에 대한 이야기에 귀를 기울입니다.[1]
이러한 이야기는 근대 지식 체계가 부여해온 질서를 벗어나 현재와 미래의 삶을 새로운 관점에서 바라보자는 제안으로부터 출발합니다. 근대의 지식체계는 인간과 인간 외의 존재들의 혼종에서 기인한 혼돈을 잠재우고자 ‘세계의 탈주술화’를 지향하며, 성과 속, 문명과 비문명, 영혼과 산 자들의 영역을 분리하였습니다. 그러나 이번 페스티벌은 인간 중심의 과학적, 합리주의적 사유체계가 분리해온 동물, 영혼, 신화 등 비인간의 삶과 앎을 이어 붙이는 ‘세계의 재주술화’를 통해 이 땅의 모든 존재가 뒤얽힌 마술적 세계를 보여주고자 합니다.
«땅속 그물 이야기»는 새로운 이야기를 만드는 디지털 창작 방법을 통해 정상성과 규범에서 탈주한 스토리텔링이 활성화되는 시공간으로서 아르코미술관 전시장과 온라인 가상 전시관을 설정합니다. 제1전시실 ‹미지와 야생›은 신화, 영혼, 야생의 오랜 공존 서사와 함께 상이한 시간대의 다중우주를 경험하게 합니다(나타샤 톤테이, 무니페리, 모레신 알라야리, 이영주, 클라라 조). 제2전시실 ‹변이 세계›는 웹 3.0의 탈중앙화와 분산의 네트워크 방식이 디지털 세계 속에서 형성되는 사변적 세계로 안내합니다(돈선필, 송민정, 업체eobchae, 케이켄, 황선정). 스페이스필룩스의 ‹지하의 정원›은 혼프의 작품과 함께 프로그램이 진행되는 공간으로, 땅의 기운을 닮은 콜렉티브와 공동체의 삶의 지식과 실천을 공유합니다.
이와 동시에 온라인 가상 전시관인 ‹균사체의 정원›은 곰팡이의 생장 특징에 따라 구성한 마이크로 세계관 속에서 관람객이 미세한 포자가 되어 디지털 작품을 탐험하는 기회를 제공합니다. 미술관 전시실에서 선보이는 11명의 작품과 더불어 게스트 큐레이터 3인이 초대 작가와 협업하여 제작한 작품을 볼 수 있습니다(김안나, 비샬 쿠마라스와미×리티카 비스와스, 리 위판×첸 샹웬, 클라라 조×마라 조안나 콜멜). 또한 4인의 필자 보선, 서한나, 이길보라, 하미나가 현실을 바꾸는 이야기와 실천의 가능성을 함께 논하였던 페스티벌의 사전 워크숍 「함께-세계 만들기 Worlding-with」의 결과물인 문장과 글은 ‹균사체의 정원›의 전기신호로 선보여집니다. 가상 공간에서 펼쳐지는 이야기는 2층 아카이브 라운지에 마련된 뷰잉룸에서도 만나볼 수 있습니다. 디지털아트페스티벌 타이베이(Digital Art Festival, Taipei)와의 협력으로 ‹균사체의 정원›에서의 온라인 전시와 스크리닝 프로그램이 마련되며, 디지털아트페스티벌 타이베이의 전시 기간인 9월 30일에 맞춰 공개됩니다.
다중의 관점이 얽히고 혼합된 세계를 함께 만들어가는 땅속 존재들은 다양한 지구의 생명체와 연합하여 잘 살고 잘 죽는 ‘퇴비적’ 존재[2]들입니다. 변이종과 하이브리드 존재의 렌즈를 통해 그려낸 세계는 다음 세대의 회복과 재구성, 생성의 에너지로 가득 차 있습니다. 이는 폐허가 된 땅 위에 새로운 씨앗을 자라게 하는 변이의 힘이자 땅의 에너지입니다. 지하의 존재들이 만들어가는 변이의 세계에 함께해 주시기 바랍니다.
[1] 《땅속 그물 이야기》는 애니메이션 「바람 계곡의 나우시카」(1984)에서 곰팡이 숲의 변이체들과 인간 공동체들이 함께 공존할 수 있도록 이어주는 매개자 나우시카의 지혜를 공유합니다. 또한 오염된 곰팡이 숲이 땅속 깊은 곳에서 재생과 순환을 준비하는 생태순환의 세계관을 참조합니다.
[2] 도나 해러웨이는 ‘퇴비’(compost)를 탈인간중심주의의 형상이자 복수종들의 삶과 죽음이 상호 의존적으로 뒤얽힌 구체적인 형상으로 말합니다. 도나 해러웨이, 『트러블과 함께하기-자식이 아니라 친척을 만들자』, 최유미 옮김(서울: 마농지, 2021), 13 참고.
2.
오프라인 전시 Offline Exhibition
2.1.
제1전시실: 미지와 야생
Gallery 1: The Unknown and Wildness
‹미지와 야생›은 여러 세대를 거쳐 전수된 신화, 정령과 야생의 공존 서사에 대해 이야기합니다. 이 관에서는 상이한 시간과 문화를 가진 열린 세계 속에서 동물과 신화의 영적 존재 등 비인간 존재와 함께 살아가는 삶을 보여줍니다. 마술적 상상력과 시공간을 교차하는 이야기는 다중의 우주(cosmology)를 마주하게 합니다.
1. 업체eobchae, 〈업체코인 브레드크럼〉, 2022, 아크릴과 금속, 가변 크기
제작: 김슬기
〈업체코인 브레드크럼〉은 가상의 화폐이자 업체eobchae 세계관의 무대가 되는 업체코인을 오브제로 선보인다. 업체코인은 월렛에 기록되지만 거래될 수 없는 코인으로, 반짝이는 아크릴 조각들은 눈앞에 존재하나 환영과 같은 화폐의 모순을 극대화하여 보여준다. 이 환영과 같은 가짜 화폐는 영혼의 세계인 저승으로부터 끌어내져 전시장 곳곳에 등장하며 가상화폐의 매혹과 불안정성을 동시에 드러낸다.
2. 모레신 알라야리, 〈미지의 것을 보는 그녀: 아이샤 콴디샤〉, 2018, 3D 프린팅 레진 조각, 수조, 단채널 HD 비디오, 7분 11초
아이샤 콴디샤는 이슬람권에서 가장 경외시하는 정령 중 하나로, 강의 정령이자 ‘여는 자’로 알려져 있다. 아이샤는 남성을 정복할 때 그들의 신체를 열어 하나의 교통 구역으로 만듦으로써 정령이나 악마의 진입을 가능하게 한다. 〈미지의 것을 보는 그녀: 아이샤 콴디샤〉는 남성으로부터 정서적 학대 등을 겪은 여성과, 여성성을 지닌 자들의 집단적 경험을 아이샤의 힘과 신들림이라는 의식을 통해 재구성한 사적 러브스토리다. 작가는 특히 비서구 여성의 분노에 초점을 맞춰 가려지거나 배제된 이들의 눈물을 주목한다.
3. 이영주, 〈환영〉, 2022, 도자 가면들, 변형된 가상현실 헤드셋, 금속 스탠드, 의자, VR 비디오, 가변 설치, 3분 50초
음악 작곡: 제이콥 쿠퍼
〈환영〉에서 작가는 남아메리카의 전통 치유사를 통해 경험했던 자연과 인간 사이의 관계에 대한 이미지를 땅/뿌리, 도마뱀, 표범, 까마귀를 상징하는 4개의 도자 가면들로 표현한다. 다섯 번째 가면은 멸종 위기에 처한 사향노루를 가상현실 헤드셋으로 변형한 가면으로, 지구상에 존재했던 수많은 동식물들의 마지막 순간들을 대변해 보여준다. VR 영상을 통해 사향노루의 마지막 순간을 경험한 관객들은 멸종 위기에 처한 종들의 영혼을 기리기 위한 제의식에 동참한다.
4. 이영주, 〈표범의 눈〉, 2021, 애니메이션, 3분 50초
음악 작곡: 크리스티안 아미고
〈표범의 눈〉은 정글에 사는 네 명의 인간과 표범의 만남을 통해, 오랜 시간 자연의 일부로 살아온 인간이 자연을 지배하게 되면서 무엇을 잃었는지를 질문하고 현재 인간이 경험하는 혼란의 원천을 이해하고자 한다. 인류는 수 많은 세월을 자연의 일부분으로 살아왔고, 자연을 배움의 대상, 존경의 대상, 신비로운 존재로 여겨왔다. 한편으로 자연은 인간의 생존을 위협하는 냉혹하고 무자비한 투쟁의 공간이기도 하므로 인간은 협동을 통해 자연 속에서 생존해 왔다. 영상에서 표범은 인간이 신성하게 여겨왔던 자연을 나타내며, 한때 신성한 존재였으나 물건, 상품화된 표범처럼 자연은 인간의 욕망을 투영하는 대상이 된다.
5. 클라라 조, 〈디 아니마〉, 2021, 3채널 영상, 사운드(스테레오), 30분 48초
〈디 아니마〉는 코로나19 사태로 드러난 것처럼, 글로벌 의료체계에 내재한 여러 인종, 경제, 신진대사 체계가 어떻게 비인간 세계로부터 촉발되는 감염에 대한 공포를 일으키는지를 살피며, 이를 다큐멘터리와 애니메이션을 넘나들며 몽환적 서사를 선보인다. 영상에 등장하는 세 합성종의 형상은 작가가 미얀마, 케냐, 프랑스에서 마주한 인간과 야생이 맺는 복합적인 관계를 발언한다. 이 작품은 2018년 스미스소니언 야생동물 수의사들과 함께 한 미얀마 현장 연구에서 시작되었으며, 작업에 등장하는 신성한 동굴은 여러 생태계가 교차하고 반영되는 국제적 갈등의 온상인 동시에 인간과 동물, 과학과 종교, 자연과 정치의 영적 만남의 장이 된다.
6. 무니페리, 〈리서치 위드 미, 실종: 유령으로도 돌아오지 못하고〉, 2022, 단채널 4K 비디오, 컬러, 사운드(스테레오), 40분
7. 무니페리, 〈파란중첩〉, 2022, 단채널 4K 비디오, 컬러, 사운드(스테레오), 2분 24초
무니페리의 영상 프로젝트 〈실종: 유령으로도 돌아오지 못하고〉는 사랑하는 대상을 잃어버렸을 때의 상실감과 공백을 극복하려는 ‘인위적인 봉합’으로서의 (동물) 복제에 대한 이야기를 동양풍 판타지물로 구현한다. 이번 전시에 선보이는 리딩퍼포먼스 영상 〈리서치 위드 미, 실종: 유령으로도 돌아오지 못하고〉는 실종과 애도, 몸을 바라보는 각기 다른 존재론들, 윤회와 관련된 이야기들을 복제 산업과 교차시킨다. 동시에 동아시아 판타지 소설의 환상성이 지닌 가능성을 소리꾼의 판소리를 통해 전한다. 〈파란중첩〉은 본 프로젝트를 이끌어나갈 주요 등장인물과 그들의 세계관을 엿볼 수 있는 애니메이션이다.
8. 나타샤 톤테이, 〈마팔루스세 시대〉, 2021, 단채널 HD 비디오, 14분 36초
9. 나타샤 톤테이, 〈와아낙 위뚜 와뚜〉, 2021, 단채널 HD 비디오, 24분 58초
묘약, 신, 사색의 수단, 젠더적 표현, 그리고 신성한 오브제로서 암석과 상호작용하는 것에 관심을 두는 나타샤 톤테이는 과학적이고 현대적인 접근법으로 바라보는 암석의 존재론에 질문을 제기한다. 〈와아낙 위뚜 와뚜〉에서 작가는 미나하사족과 지리적 존재로서 암석의 관계를 다루는 픽션, 신화, 그리고 우주론을 탐구하면서 100년, 1,000년, 10,000년 후 암석의 미래를 숙고한다. 〈마팔루스세 시대〉에서는 미나하사족 세계관의 역학관계를 디지털 문화의 관점으로 살펴보며, 생물과 무생물의 영역을 종합한 상호성을 기본으로 한 대안적 사회의 가능성을 상상한다.
2.2.
제2전시실: 변이 세계
Gallery 2: Mutant World
〈변이 세계〉는 현실에서 탈주하여 사변적 세계를 이야기하고 근미래의 현실을 예견합니다. 이 관에서는 기술에 의해 증강된 의식과 그물망처럼 확장되는 자아, 합성과 변형을 거쳐 생성된 변이종의 세계를 보여줍니다. 또한 가상과 실제 공간을 교차하며 제3의 감각과 경험의 형성을 유도합니다. 이 관에서는 ‘세계 짓기’(worlding)의 가능성과 불가능성을 반추하게 할 것입니다.
10. 송민정, 〈신〉, 2022, 단채널 Full HD 비디오 설치, 무한 반복, 컬러, 사운드
‘광경, 상황, 현장’을 뜻하는 ‘신’(Scene)은 영화나 드라마를 구성하는 극적 단위의 하나로, 같은 장소와 시간에 이루어지는 일련의 행동이나 대사를 지칭한다. 〈신〉이라는 제목처럼 작가는 전시장에 하나의 현장을 시각적으로 구성하여 관객으로 하여금 지나간 시간을 좇아가는 동시에, 현재의 시간 속에서 사건/장소/시간의 일부가 되어 작업에 참여하도록 이끈다. 장소와 장소 사이에서 서로를 읽고 수정하는 관계로 놓인 이들의 저항적 경험은 다른 순간과 결합하고 흩어지며 유기적이고 끝없는 대화와 분위기를 조성한다.
11. 돈선필, 〈사족보행 스테이션_아토믹〉, 2022, 혼합매체, 50×42×45cm
돈선필, 〈사족보행 스테이션_히카리〉, 2022, 혼합매체, 57×42×45cm
돈선필, 〈사족보행 스테이션_컨버트〉, 2022, 혼합매체, 58×42×45cm
12. 돈선필, 〈잠꼬대와 대화하면 안 된다〉, 2022, 4K 비디오, 7분 18초
‘특촬’(특수촬영)이라는 독특한 영상 장르의 작동 구조를 통해 고해상도 리얼리티 풍경을 비평하는 작업이다. 피규어 형태의 입체 조형물과 서사적 영상으로 구성된 작업은 느슨하게 연결된 사물과 영상을 통해 물질과 현실의 무거운 연결지점을 강조한다. 이 영상설치는 특정한 제약을 수용하여 리얼리티를 보존하는 ‘특촬’의 방법론을 반영해 컴퓨터 언어에 의존하면서 고해상도와 신기술에 기반한 현실을 재현하려는 욕망을 반추한다. 이는 아날로그와 디지털의 지위가 대등해진 당대에 현실을 모사하는 행위와 대규모 자본 및 기술 권력이 맞물린 고해상도 재현의 위험을 인지하게 한다. 동시에 작은 사물, 물질들의 세계가 만들어내는 세계 짓기의 가능성과 리얼리티를 실험한다.
13. 황선정, 〈탄하무 종〉, 2022, 디지털 스컬프팅, 3D 프린팅에 채색, 가변크기
디지털 합성 및 디지털 스컬프팅을 통해 제작된 〈탄하무 종〉은 〈탄하무〉 세계관에서 군균시스템과 결합된 인간의 신체와 감각들이 확장된 합성개체를 상상한다. 개체 별로 고유한 특징을 지닌 합성종은 인간과 식물의 데이터를 합성하는 뉴럴렌더링 과정에서 출력된 영상과 이미지를 다시 디지털 합성하는 과정을 거쳐 만들어졌다.
14. 황선정, 〈탄하무_춤의 시간들〉, 2022, 단채널 4K 비디오, 컬러, 사운드, 13분
크리에이티브 비주얼, 촬영, 각본 : 황선정
사운드 디자인, 제너레이티브 AI : 문규철
뉴럴 렌더링 : 세르지오 브롬버그
〈탄하무〉 프로젝트는 버섯(균류)의 순환과 네트워크 시스템, 균사체 네트워크, 우드와이드웹이 지닌 공생관계에 대한 리서치와 세계관을 바탕으로 현 지질학 시대의 지구-인간의 물질대사를 이야기 한다. 〈탄하무_춤의 시간들〉은 〈탄하무〉 프로젝트의 세 번째 작업으로, 균사체 시스템을 땅 위로 확장하고 비인간 사물, 인간과의 관계성을 드러낸다. 인간중심적 사고에서 벗어나 비인격적 커뮤니케이션을 춤으로 환원하는 이 영상은 생성신경망, 뉴럴네트워크와 같은 연산을 활용해 인간의 움직임과 감각이 비인간과 연결되는 지점을 드러내고자 한다. 이를 통해 존재(우리)의 물질대사에 자유를 부여하고 감각의 확장에 대한 사유를 전한다.
15. 케이켄, 〈형태형성의 천사들과 버블 이론〉, 2022, CGI 필름, 4K 비디오, 컬러, 사운드, 7분 56초
스코어 및 사운드 디자인: Wavesovspace
16. 케이켄 + 클리포드 세이지, 〈형태형성의 천사들과 버블 이론〉, 2022, VR
스코어 및 사운드 디자인: Wavesovspace
17. 케이켄 + 가브리엘 마산, 〈Uxkme〉, 2022, 라이브 박스 인쇄, 225x151.8x10cm
케이켄의 〈형태형성의 천사들과 버블 이론〉은 자아와 의식이 재현되는 방식에 대해 질문한다. 작가는 미래 기술과 시뮬레이션이 우리의 의식을 형성시키는 방식에 대해 보다 명료하게 이해할 수 있게 해주며, 이때 자아는 독단적으로 성장하는 것이 아니라 하나의 버블처럼 나누어지고 합쳐졌다가 확산하는 전 방향의 그물망처럼 서로 관계를 맺는 것으로 바라본다. 영상에는 지금으로부터 500년 후의 세계를 살아가는 업그레이드된 인간 “천사”들이 등장한다. 이들은 시뮬레이션 테라피를 제공하는 자율주행 자동차 우버 3000에서 ‘드림 버블 시뮬레이션 게임’을 플레이하여 자신들의 과거인 베이비와 소울나이트를 관찰한다. VR은 영상에 나온 우버 3000 안으로 들어가 완전히 몰입할 수 있는 경험을 제공한다.
18. 업체eobchae, 〈AMAEBCH〉, 2022, 단채널 Full HD 비디오 설치, 컬러, 사운드, 12분 11초
〈AMAEBCH〉는 조선 초기에 쓰인 『설공찬전』에 등장하는 저승의 왕인 ‘비사문천왕’을 알현하는 것에서 시작한다. 비사문천왕은 업체eobcahe가 설정한 여러 세계를 가로지르는 존재로, 자연어 처리 인공지능 ‘GPT-3’와 사물을 인식하는 라이더 센서를 매개하여 아크릴 스크린 위에 등장한다. 작품 속 중생들은 현생을 넘어서는 시공에 접속할 수 있음에도 불구하고 끝없이 비속한 질문을 퍼붓는다. 묻는 자와 은유하는 자 사이의 문답을 보여 주는 신탁의 장면은 우리의 운명이 환금성 그래프와 결탁하는 방식에 대해서 질문하게 한다.
19. 업체eobchae, 〈업체코인 브레드크럼〉, 2022, 아크릴과 금속, 가변 크기
제작: 김슬기
〈업체코인 브레드크럼〉은 가상의 화폐이자 업체eobchae 세계관의 무대가 되는 업체코인을 오브제로 선보인다. 업체코인은 월렛에 기록되지만 거래될 수 없는 코인으로, 반짝이는 아크릴 조각들은 눈앞에 존재하는 환영과 같은 화폐의 모순을 극대화하여 보여준다. 이 환영과 같은 가짜 화폐는 영혼의 세계인 저승으로부터 끌어내져 전시장 곳곳에 등장하며 가상 화폐의 매혹과 불안정성을 동시에 드러낸다.
2.3.
아카이브 라운지: 〈균사체의 정원〉 온라인 전시 뷰잉룸
Archive Lounge:
Online Exhibition Viewing Room Mycelium Garden
〈균사체의 정원〉은 페스티벌 참여자들의 디지털 작품을 만나볼 수 있는 온라인 전시입니다. 아카이브 라운지에서는 균사체 정원 사이를 산책하며 디지털 작품을 경험할 수 있는 공간을 마련합니다. 또한 사전 워크숍 「함께-세계만들기 Worlding-with」에 참여한 필자 보선, 서한나, 이길보라, 하미나가 작성한 문장과 글을 인쇄물로 확인할 수 있습니다.
20. 업체eobchae, 〈Welcome to luge.money〉, 2022, 시트지에 QR 코드 인쇄, 가변 크기
〈Welcome to luge.money〉는 장 마감 없이 연중무휴 업체코인 교환권을 지급하는 서베이 사이트이다. 이 웹사이트는 전시장에서 토큰처럼 비치된 가짜 화폐를 실제로 수령할 수 있는 거점으로, 크립토아나키스트 컬트인 ‘루지를 타고 도망치는 사람들’에 의해 개발되었다. luge.money는 접속자의 답변 패턴에 따라 소정의 업체코인 교환권을 제공하는데, 이 교환권은 가상의 시공간인 ‘버블’에서 업체코인을 수령하는 데 쓰인다. 전시장 곳곳의 실물 업체코인과 대별되는 월렛 속의 진짜 업체코인은 비사문천왕으로 향하는 문을 두드리도록 관객의 시선을 이끈다.
21. 「함께-세계만들기 Worlding-with」 워크숍 원고
❶
보선, 「정원사 균 씨의 하루」, 2022
보선_정원사 균 씨의 하루_2022.pdf
❷
서한나, 「텍스트 큐피드 에로스」, 2022
서한나_텍스트 큐피드 에로스_2022.pdf
❸
이길보라, 「나의 계승수어 사전」, 2022
이길보라_나의 계승수어 사전_2022.pdf
❹
하미나, 「해피 엔딩」, 2022
하미나_해피 엔딩_2022.pdf
22. 〈균사체의 정원〉 온라인 전시
2.4.
스페이스필룩스: 지하의 정원
SpaceFeelux: The Underground Garden
《땅속 그물 이야기》는 모두가 연결되어 서로 다른 종의 세계와 함께 형성해나가는 관계를 지향합니다. 〈지하의 정원〉에서는 혼프(하우스 오브 내추럴 파이버)의 작품과 함께, 삶 속에서 서로 연결되기의 전략, 수평적 관계와 문화 안에서 소통하는 기술, 땅의 실천, 기술과학 안에서의 여성의 개입 등과 관련한 프로그램을 선보입니다. 땅의 기운을 닮은 콜렉티브, 공동체, 참여자들은 그들만의 삶의 실천과 지식을 나누고 친밀한 경험을 제안할 것입니다.
23. 혼프(하우스 오브 내추럴 파이버), 〈잉선〉, 2022, 철 구조물, DIY 전자회로, 식물, 비디오, 마이크로컨트롤러, 직물, 가변 설치
혼프(하우스 오브 내추럴 파이버)
지셀라 마리아, 이라 아그리비나, 노나 요아니사라, 비오 안다루, 하리오 후토모, 도니 유단토
협력
유디안토 아스모로, 요가 페르마나 푸트라, 지안 핑가, 호기 테트라, 갈리 쿠르니아완, 아딧야 타마, 루이스 마르셀리노다
인도네시아에서 활동하는 콜렉티브 혼프의 〈잉선〉은 신을 화가로, 인간을 신의 그림으로 보는 고대 자바 철학에서 출발하는 작업으로, 자바의 전통 철학, 신화, 문화를 오늘날의 기술과 지식과 연결하여 다양한 활동과 지혜를 공유한다. 고대 철학에서 외부 세계인 라히르(lahir)와 내부 세계인 바틴(batin)으로 인간을 구분하는데, 잉선은 바틴의 진정한 마음과 의식을 의미하며 신을 발견할 수 있는 공간이자 외부와 내부를 잇는 다리(bridge)이다. 이러한 철학을 바탕으로 반얀트리(인생), 니 로로 키툴(물), 데위 스리(땅 & 비옥함), 성화된 에얼룸(권능), 칸틸레(욕망), 템플(연결) 총 여섯 개의 상징물을 구성하여 인간, 자연, 신을 연결하는 생태적 상징물을 현대의 기술과 공명하게 한다.
24.
혼프(하우스 오브 내추럴 파이버), 「퍼블릭 랩 & 키친」, 2022
혼프(하우스 오브 내추럴 파이버)의 「퍼블릭 랩 & 키친」에서는 DIY(Do it yourself)와 DIWO(Do it with others)의 방법론으로 제작, 나눔의 워크숍이 진행된다. 음식 만들기 워크숍, 기술 제작 워크숍 등 관객과 함께하는 퍼블릭 랩은 페스티벌 기간 동안 〈지하의 정원〉에서 열릴 예정인 프로그램들을 리드하고 지혜를 전파한다.
3.
온라인 전시: 균사체의 정원
Online Exhibition: Mycelium Garden
정원 입장
온라인 전시관 ‹균사체의 정원›은 자연물인 균사체와 인위적인 정원의 결합물로서, 가지 뿌리처럼 연결되는 관계를 지향하는 융복합 예술 페스티벌을 은유합니다. 균사체는 곰팡이의 영양기관으로 땅 밑에서 실처럼 균사를 뻗어 생장하고 전기신호를 발생시켜 신경망처럼 언어적 소통을 합니다. 이러한 사실을 바탕으로 땅 밑 균사체가 살아가는 미시세계이자 균사체의 언어가 발생하는 장소로서 온라인 전시관을 제시합니다. 온라인 전시관은 균류의 생장 특징에 기반하여 네 개의 정원으로 구성되어 있습니다. ‹통공팜이균류의 정원›을 중심으로 ‹자낭균류의 정원›, ‹담자균류의 정원›, ‹접합균류의 정원›이 연결되어 있으며, 각 정원은 포털을 통해 이동할 수 있습니다. 정원에서는 참여자들의 디지털 작품과 필자 4인의 문장을 균사체 구조물 사이에서 발견할 수 있습니다. 균사체 정원 사이를 산책하며 디지털 작품을 관람하는 경험에 참여해 보시길 바랍니다.
3.1.
통곰팡이균류의 정원
Chytridiomycota Garden
정원 입장
통곰팡이균류는 생물학적 진화 관점에서 볼 때 가장 원시적인 곰팡이로 ‘작은 병’을 뜻하는 그리스어 ‘키트리디온’(chytridion)에서 유래하였다. 호상균류라고도 불리는데, 죽은 유기체를 분해할 수 있는 능력을 가졌기 때문에 생태계의 물질 재활용 측면에서 매우 중요한 균류이다.
모든 균류의 시조가 되는 통곰팡이균류의 특징에 따라 〈통곰팡이균류의 정원〉은 온라인 전시관의 허브이자 통로가 되는 정원의 광장으로 다른 전시관으로 이동하는 포털이 놓여있다. 이는 다핵으로 이루어진 통곰팡이균류의 몸체 내부를 형상화한 것이기도 하다.
3.2.
자낭균류의 정원
Ascomycota Garden
참여 작가 × 게스트 큐레이터
김안나, 비샬 쿠마라스와미(Vishal Kumaraswamy) × 리티카 비스와스(Ritika Biswas)
리 위판(Li Yi-Fan) × 첸 샹웬(CHEN Hsiang-Wen)
클라라 조(Clara Jo) × 마라 조안나 콜멜(Mara-Johanna Kölmel)
정원 입장
자낭균류는 생식 과정에서 자낭포자를 만드는 곰팡이를 말한다. 자낭 안에는 한 쌍의 핵으로 이루어진 자낭포자가 무수히 많이 존재하고 있으며 이 핵들이 융합하고 감수분열 하며 컵이나 플라스크처럼 생긴 자낭과(일종의 버섯)를 형성한다. 자낭과에게 충격을 주면 마치 연기를 훅 뿜어내듯이 포자를 내뿜는다.
〈자낭균류의 정원〉은 핵이 융합하고 분열하는 과정에서 포자(씨앗)를 형성하는 자낭균류의 생장 방식과 작품의 창작 과정을 연결한다. 정원에는 3개의 자낭 구조물이 놓여있는데, 자낭 구조물 안에는 마치 수천 개의 포자가 분열하며 생장하듯이 게스트 큐레이터와 작가의 협업을 통해 구현한 디지털 네이티브 작품을 만나볼 수 있다.
게스트 큐레이터 팀 1
김안나 & 비샬 쿠마라스와미, 〈균사로 녹는 실로시빈 젤리들〉, 2022, 3D 설치
큐레이터 : 리티카 비스와스
게스트 큐레이터 작품 소개
지하 존재들의 미학은 무엇인가? 그들은 어떤 균사체적 방식으로 서발턴에 얽혀들어 가는가? 정신 활성 버섯이 소화계로 들어가면 어떤 느낌인가? 우리는 그것의 지능, 노동, 그리고 재능을 인식할 능력이 있는가?
이 프로젝트는 균사의 생장을 아우르는 여러 접촉을 통해 자아의 분열과 확산을 가능하게 하고, 장내 미생물 생태계에 침투하는 균 안에 관객들을 일시적으로 머무르게 함으로써 이들의 이성주의적 지능 구조 개념에 질문을 던지도록 한다.
김안나는 어두우면서도 무지갯빛이 감도는 덤불로 이끄는 환각 균류의 풍경을 상상한다. 거기서부터 우리는 비인간, 토착민, 부족의 역사를 이야기하는 포자와 버섯 생장으로 가득한 구멍을 통해 여행을 떠난다. 마침내 우리는 영적 생화학적 결합의 에너지로 진동하는 실로시빈 화합물로 이루어진 심원한 환각의 세계로 들어가게 된다. 비샬 쿠마라스와미는 환각 버섯이 동물이나 인간 소화기 계통과 같은 기존의 생물 균계를 탐색하거나 혹은 버섯들이 서로 소통할 때의 소리를 상상하면서 균류의 유사 기호학을 만들어낸다. 그는 곪아 터진 열매, 흙의 움직임, 뿌리 덮개, 인간의 목소리가 담긴 현장 녹음을 통해 우리에게 친숙한 신화와 언어가 반복적으로 무너져내리고, 균류의 이해를 통해서만 알 수 있는 경로에서 다시 만날 때 어떤 일이 일어나는지 살펴본다.
게스트 큐레이터 팀 2
리 위판, 〈이거 어떻게 켜_2022〉, 2022, 비디오, 4분 28초
리 위판, 〈이거 어떻게 켜_2022〉, 2022, 비디오, 4분 3초
리 위판, 〈이거 어떻게 켜_2022〉, 2022, 비디오, 8분 11초
큐레이터 : 첸 샹웬
게스트 큐레이터 작품 소개
3D 애니메이션을 주요 매체로 사용해온 리 위판은 VR 기술과 게임 엔진을 결합해 물리적 신체와 디지털 신체를 연결하고 캐릭터를 빠르게 조작하는 방식을 구현한다. 이는 비교적 많은 시간을 들여야 하는 3D 애니메이션 제작 과정을 보다 직관적이고 연출력이 돋보이도록 창작하기 위함이다. VR을 통해 특정 상황에 놓인 자신의 모습을 들여다볼 수 있으며, 이는 마치 게임에서 죽었던 존재가 다시 부활하는 것과 같은 원리이다. 작가는 비디오 세계와 게임 속에서, 또는 디지털 기술과 뗄 수 없는 현대 생활에서 우리의 주체가 과연 물리적 세계의 육신일지 혹은 클라우드 세계의 분신일지, 아니면 이미 코드화된 것은 아닐지 질문을 던진다.
게스트 큐레이터 팀 3
클라라 조, 〈콘클라베〉, 2022, 3D 설치
큐레이터 : 마라 조안나 콜멜
게스트 큐레이터 작품 소개
〈콘클라베〉는 혼성 종들이 우글거리는 다른 세상인 신비로운 동굴로 관객을 데려간다. 이들의 신체는 디지털로 매개된 표면, 그리고 동물, 광물, 식물, 인간 영역의 상호작용에서 나타난다. 물이 떨어지는 소리와 박쥐 떼의 반향음을 동반하는 클라라 조의 설치 작품은 빠르게 변화하는 지구에서 인간의 몸과 비인간의 몸이 깊숙이 얽혀있음을 이야기한다.
〈콘클라베〉는 클라라 조가 스미소니언 야생동물 수의사들과 함께 진행한 필드 리서치를 바탕으로, 잠재적 팬데믹의 예측을 위해 새로운 코로나바이러스 종을 찾아가는 작품이다. 팬데믹이 발생하기 2년 전인 2018년 작가는 리서치 그룹을 따라 수천 마리의 박쥐가 서식하는 미얀마 파안의 신성한 동굴을 비롯한 여러 장소를 찾아다녔다. 작가는 성스러운 불교 유적지이자 관광지이며 연구 장소이기도 한 이 동굴들을 인간과 동물, 과학과 종교, 자연과 정치가 만나는 영적 장소이자 위험이 존재하는 접점으로 본다.
〈콘클라베〉에서 생태계는 서로 만나고 교차하여 수면 위로 드러나지 않은 전 지구적 분쟁에 더욱 불을 붙인다. 문화적, 지질학적, 생물학적으로 인간이 초래하는 극단적이고 급속한 변화에 직면한 이 사회에서 〈콘클라베〉는 우리가 군림할 수도 없고 소유할 수도 없는, 단지 거주할 뿐인 생태-생명 공간의 일부라는 것을 상기시킨다.
3.3.
담자균류의 정원
Basidiomycota Garden
참여작가 : 나타샤 톤테이(Natasha Tontey), 돈선필, 모레신 알라야리(Morehshin Allahyari), 무니페리, 송민정, 업체eobchae, 이영주, 케이켄(Keiken), 혼프(HONF), 황선정
정원 입장
담자균류는 이른바 버섯으로 알려진 생물을 포함하는 대표적 균사체로, 전체 균류의 약 30% 정도를 차지한다. 몸은 다수의 균사로 이루어져 있고, 눈에 보이는 지실체(버섯)를 형성한다. 균사는 가느다란 실과 같은 형태로 대부분의 시간을 낙엽 밑, 땅속에서 생장하여 균사체를 형성하고, 생장의 한계에 다다랐을 때 짧은 시간 동안 버섯을 피운다. 그리고 이 버섯을 통해 포자를 퍼트리고 계속해서 생식을 이어간다.
대부분의 시간을 보이지 않는 땅속에서 생장하는 담자균류의 생장적인 특징을 반영한 제 3 전시관 〈담자균류의 정원〉은 오프라인 전시 참여자의 디지털 작품을 선보이며, 균사체로 이루어진 길을 따라 곳곳에 피어난 다양한 버섯과 함께 배치된 디지털 작품을 관람할 수 있다.
혼프(하우스 오브 내추럴 파이버), 〈잉선〉, 2022, 3D 그래픽
혼프(하우스 오브 내추럴 파이버)
기젤라 마리아, 아이린 아그리비나, 노나 요아니사라, 바이오 안다루, 하료 후토모, 도니 유단토
협력
유디안토 아스모로, 요가 페르마나 푸트라, 지안 핑가, 갈리 쿠니아완, 아딧야 타마, 루이스 마르셀리노
인도네시아에서 활동하는 콜렉티브 혼프의 〈잉선〉은 신을 화가로, 인간을 신의 그림으로 보는 고대 자바 철학에서 출발하는 작업으로, 자바의 전통 철학, 신화, 문화를 오늘날의 기술, 지식과 연결하여 다양한 활동과 지혜를 공유한다. 고대 철학에서 외부 세계인 라히르(lahir)와 내부 세계인 바틴(batin)으로 인간을 구분하는데, 잉선은 바틴의 진정한 마음과 의식을 의미하며 신을 발견할 수 있는 공간이자 외부와 내부를 잇는 다리이다. 이러한 철학을 바탕으로 반얀트리(인생), 니 로로 키툴(물), 데위 스리(땅 & 비옥함), 성화된 에얼룸(권능), 칸틸레(욕망), 템플(연결) 총 여섯 개의 상징물을 구성하여 인간, 자연, 신을 연결하는 생태적 상징물을 현대의 기술과 공명하게 한다.
업체eobchae, 〈업체코인 브레드크럼〉, 2022, 3D 그래픽, 가변 크기
브레드크럼(breadcrumb)은 웹 페이지에서 사용자의 내비게이션을 돕는 시각적 요소다. 사용자는 사이트에 흩뿌려진 빵가루에서 정보의 냄새를 맡고 탐색에 나선다. 직관을 조정하는 무수히 많은 변수 중, 신호와 계시는 구분이 불가능하다. 업체코인 브레드크럼을 하나씩 주워섬기는 사용자는 과연 어디로 인도될지, 덜컹거리는 불안한 여정 끝에 달로 가는(mooning) 티켓을 발견하게 될지 혹은 그저 캄캄한 열죽음을 맞이하게 될지 결말은 열려있다.
돈선필, 〈불타는 눈사람〉, 2022, HD 비디오, 37초
돈선필, 〈불타는 눈사람을 위한 안내문〉, 2022, 4K 비디오, 1분 8초
돈선필, 〈불타는 눈사람 피규어〉, 2022, 3D 그래픽, 가변 크기
〈불타는 눈사람〉은 무더운 여름의 열기와 한 겨울의 냉기를 동시에 품고 있는 영상이다. 기록적인 폭염과 시기를 가늠할 수 없는 폭우, 자취를 감추는 빙하와 꿀벌의 실종처럼 항상성을 유지할 수 없는 기후 변화를 체감할 수 있다. 3D 입체 조형물 〈불타는 눈사람 피규어〉의 앞에 영상과 나란히 위치한 〈불타는 눈사람을 위한 안내문〉은 그래픽툴 블렌더로 제작하는 피규어의 탄생 과정을 담았다. 영상에는 짧은 스크립트가 스태프롤처럼 반복되며, 중얼거리는 톤으로 궁극의 완전함을 추구하는 VFX가 초래할 리얼리티 과잉에 대한 우려를 내비친다. 동시에 이는 안내문이 되어 가까운 미래에 다가올지 모르는 작은 재앙에 대해 경고한다.
황선정, 〈탄하무 워프 드라이브〉, 2021, 단채널 비디오, 14분 5초
크리에이티브 비주얼, 촬영/각본 : 황선정
사운드 디자인, 제너러티브 AI : 문규철
뉴럴 렌더링 : 세르지오 브롬버그
출연진 : 이정민
황선정, 〈5개의 다른 탄하무 종〉, 2022, 3D 그래픽
온라인에서는 탄하무에 대한 영상 작업 한편과 함께 탄하무종을 발견할 수 있다. 균사체는 인류세라 일컫는 지질학 시대 이전부터 지구의 지질시대 대부분을 함께해온 유기체다. ‘메타볼릭 오간’이라 불리는 이 버섯들을 통해 인간에 의해 발생하는 문제를 제기하고, 자연적, 지구적 관점에서 공존에 대해 탐색한다. 균곰팡이의 관계와 네트워크, 그리고 이들의 ‘비결정론적’ 생장 과정을 가장 유기적이면서도 제너러티브한 기술 매체인 뉴럴랜더링, 뉴럴네트워크, AI 신경망을 활용하여 춤을 추듯 일렁이면서 균들이 합성되고 확장되는 형태를 보여준다.
송민정, 〈신〉, 2022, 2D 그래픽
〈신〉은 무슨 일이 벌어지고 있는지 충분히 시각화할 수 없는 어떤 시간을 이동하는 한 무리를 따라간다. 장소와 장소 사이에서 서로를 읽고 수정하는 관계로 놓인 이들의 저항적 경험은 다른 순간과 결합하고 흩어지며 유기적이고 끝없는 대화로서의 분위기를 조성한다. 온라인 전시에서는 일행이 조망하는 장소와 장소 사이 풍경을 디지털 조각으로 남긴다.
모레신 알라야리, 〈미지의 것을 보는 그녀: 아이샤 콴디샤〉, 2018, 3D 프린팅 레진 조각, 수조, 단채널 HD 비디오, 7분 11초
아이샤 콴디샤는 이슬람권에서 가장 경외시되는 정령 중 하나로, 강의 정령이자 ‘여는 자’로 알려져 있다. 아이샤는 남성을 정복할 때 그들의 신체를 열어 하나의 교통 구역으로 만듦으로써 정령이나 악마의 진입을 가능하게 한다. 〈미지의 것을 보는 그녀: 아이샤 콴디샤〉는 남성으로부터 정서적 학대 등을 겪은 여성과, 여성성을 지닌 자들의 집단적 경험을 아이샤의 힘과 신들림이라는 의식을 통해 재구성한 사적 러브스토리다. 작가는 특히 비서구 여성의 분노에 초점을 맞춰 가려지거나 배제된 이들의 눈물을 주목한다.
이영주, 〈환영〉, 2022, 3D 그래픽
〈환영〉은 가상의 사향 노루와 유희하는 공간이다. 오프라인 전시에서는 사향 노루의 시각을 가상현실을 통해 상상했다면, 온라인 전시에서는 사향 노루 캐릭터가 뛰노는 이상화된 꿈속의 공간을 상상한다. 본 공간에서는 전통 약재와 향수로서 상품적 가치를 지니는 수컷 사향 노루의 향낭(향기 주머니)이 허공에 떠다니는데, 그것들은 마치 슈퍼 마리오 게임에서 먹으면 더 강력해지고 커지는 마법의 버섯처럼 현실 세계에서 자양 강장/만병통치약으로 사용된다.
무니페리, 〈Green Snake & White Snake Trading Card〉, 2022, 3D 그래픽
무니페리, 〈무니페리의 리서치 위드미, Popping Words〉, 2022, 단채널 HD 비디오, 컬러, 2분 54초
무니페리의 영상작업 〈빈랑시스〉 두 번째 챕터의 마지막 장면은 홍콩 영화 「청사」(1993)의 애프터 스토리를 짧게 구현한 것으로, 이를 바탕으로 작가는 영상의 두 주인공 ‘백사’와 ‘청사’를 3D 트레이딩 카드로 제작하였다. 이와 함께 온라인 전시의 버섯 위에 배치될 영상은 〈빈랑시스〉에서 현재 진행 중인 프로젝트 〈실종: 유령으로도 돌아오지 못하고〉의 이행 단계에서 나온 리서치 키워드들로 구성한 작업이다.
케이켄, 〈베이비_101〉, 2022, 3D 그래픽
케이켄, 〈베이비_102〉, 2022, 3D 그래픽
케이켄, 〈베이비_103〉, 2022, 3D 그래픽
케이켄, 〈베이비_104〉, 2022, 3D 그래픽
케이켄, 〈베이비_201〉, 2022, 3D 그래픽
케이켄, 〈베이비_203〉, 2022, 3D 그래픽
케이켄의 ‘형태형성의 천사들’은 의식이 진화하고 발달하기 시작한 영유아 생명체, 비인간 개체, 그리고 아바타를 시리즈 형식으로 선보인다. 이 생명체들은 500년 뒤 미래의 메타버스 영역으로부터 왔으며, 의식을 고양하는 필수적이고 온화한 행위에 전적으로 헌신한다. 각 생명체는 여러 개의 머리, 날개, 촉수, 더듬이가 있어 세계를 독특한 감각으로 경험한다. 이들은 우리에게 형태형성의 미래, 보완된 신체, 그리고 이것이 지각에 있어서 어떤 의미를 가지는지 상상해보도록 한다.
나타샤 톤테이, 〈루미무웃과 또아〉, 2022, HD 비디오, 15초
나타샤 톤테이, 〈루미무웃과 또아〉, 2022, HD 비디오, 7초
전설에 따르면 미나하사족 최초의 인간은 카레마로, 기도를 통해 암석에서 딸 루미무웃을 낳은 여신이다. 후손을 낳으라는 카레마의 요구에 따라 루미무웃은 의식을 치루는 과정에서 임신을 하고 또아라는 이름의 남자아이를 출산했다. 미나하사족이 6-7세기의 식민지 침탈과 전쟁, 그리고 그 전쟁에 참전한 전사들을 찬양하면서 여성성에서 남성성으로의 권력이 이동하였고, 이로 인해 또아는 중요하고 존경받는 인물로 부상하였다. 작가는 작업을 통해 또아에 종속된 카레마와 루미무웃을 재고하여 이 관계를 새로운 관점으로 고찰하고자 한다.
나타샤 톤테이, 〈마팔루스세 시대의 계획〉, 2021, 2D 그래픽
마팔루스세 시대는 하나의 사변적 지질 시대이다. 작가는 미나하사족의 우주론과 철학으로부터 영향받아 지구 위에 거주하는 존재들 사이의 상호작용과 연대가 가능한 지질학적 힘을 제시한다.
3.4.
접합균류의 정원
Zygomycota Garden
협력기관 : 타이베이 디지털아트센터 Digital Art Center Taipei
참여작가 : 위 리우&쓰츤 우(Yu LIU&SIH-CHIN WU), 저하오 쉬(Zhe-Hao HSU), 츠청 창(Chih-Chung CHANG), 춘톈 천(Chun-tien CHEN), 타셩 쿠(Ta-Sheng KO), 퍼우청 차이(Pou-Ching TSAI)
접합균류는 두 개체의 접합을 통해 접합포자를 만들어내는 곰팡이이다. 광합성을 못하기 때문에 썩은 과일이나 흙, 배설물 등에서 영양분을 얻고 살아가며, 동물이나 식물에 기생하는 것도 있다. 접합포자는 일종의 씨앗과 비슷하다. 접합포자에서 포자낭을 발화하고 포자낭에서 수많은 포자를 퍼트려 생장한다.
이러한 생장의 특징을 반영한 〈접합균류의 정원〉은 아르코미술관과 디지털아트센터, 타이베이(Digital Art Center, Taipei)의 협력으로 구성한 공간이다. 접합포자는 스크린으로 구성되며, 디지털아트페스티벌 타이베이가 기획한 작가 6인의 영상을 상영한다. 디지털아트페스티벌 타이베이가 오픈하는 9월 30일에 이 전시관의 영상이 공개될 예정이다.
3.5.
함께-세계만들기
Worlding-with
이 글과 문장은 2022 아르코 융복합 예술 페스티벌 《땅속 그물 이야기》의 사전 워크숍인 「함께-세계만들기 Worlding-with」의 일환으로 작성되었습니다. 네 명의 참여자 보선, 서한나, 이길보라, 하미나는 3회의 워크숍에서 우정을 전하는 전략, 언어를 다른 감각으로 전환하는 방법, 이야기를 교환하는 다양한 방식에 관해 이야기를 나누었습니다. 워크숍 이후 4인의 필자들은 함께 나눈 대화와 각자의 관심사를 바탕으로 글을 작성하였으며, 글의 전문은 티저 웹사이트와 아카이브라운지에서, 문구는 온라인 전시관 〈균사체의 정원〉의 세계 속에 등장합니다.
1.
보선
보선, 「정원사 균 씨의 하루」, 2022
정원의 주민은 누구일까?
한 마을에 취직한 정원사 균 씨의 출근 첫날. 낯선 마을의 이방인에서 주민으로 되어가는 과정에서 균 씨는 축축하고 다정한 변화를 겪는다.
정원은 온갖 생물이 살아가는 삶터이고, 그곳에선 이해관계가 충돌하죠. 그런 이해관계를 조율하며 함께 살아가도록 하는 일을 우리가 하는 거예요. 이 마을에서 정원사의 일은 하나예요. 정원의 생물들이 세상에서 사라지지 않도록 하는 것.
균 씨는 덩그러니 혼자 남겨졌고, 균 씨의 몸에 버섯이 몇 개 더 자라났다.
2.
서한나
서한나, 「텍스트 큐피드 에로스」, 2022
나는 일상을 비일상으로 만들어주거나 나를 완전히 일상에 안착시킬 대상을 찾는다. 그건 내 친구들도 마찬가지여서 한 명은 시를 쓴다.
여자고등학교는 현존하는 혁명적 공간이다. 거기서는 매일 밤 쪽지와 싸움, 키스로 달려가는 키스가 일어난다.
클리토리스는 무척이나 섬세하고 귀엽고 무엇보다 자신을 돕는 자를 돕는다.
우리는 알고 있다. 세상에 존재하는 모든 글을 읽는 것보다 네티, 캐롤, 인기 많던 그 애를 마주치는 것이 때로 빛보다 빠르고 구보다 완전하다는 것을.
3.
이길보라
이길보라, 「나의 계승수어 사전」, 2022
‘My Heritage Sign Dictionary’는 말 그대로 나의 계승수어 사전이다.농인 부모로부터 수어를 모어로 배우고 집 바깥에서는 한국어 음성언어와 문자언어를 사용했던 이중언어 사용자의 기록이기도 하다.
손으로 팔을 치는 감각을 전달받는 사람에서 신호를 보내는 사람이 된다. 이제야 그 사인의 의미를 온전히 이해한다.
열린 문. 시각언어와 음성언어가 넘나들 수 있는 작은 공간. 너와 내가 연결되어 있다는 소통의 가능성.
손으로 ‘너’를 가리키고 ‘나’를 가리키는 일, 서로의 눈을 보고 정확하게 신호를 주고받는 행위다.
4.
하미나
하미나, 「해피 엔딩」, 2022
두려움을 느끼는 바로 그 지점이 그녀가 새롭게 탐구해야 할 영역입니다.
우리는 동시에 여러 개의 삶을 삽니다.
모든 길은 똑같고, 어디로도 이어져 있지 않습니다.
우리는 결코 길을 잃지 않습니다.
4.
참여자 & 크레딧
Participant & Credit
나타샤톤테이(Natasha Tontey)
나타샤 톤테이는 인도네시아 욕야카르타에서 활동하는 예술가로, ‘가공된 공포’를 둘러싼 역사와 신화의 허구를 탐구하는 것을 주된 예술적 실천으로 삼는다. 작가는 기존의 제도적 관점이 아닌, 소외된 존재들의 미묘하고도 사적인 투쟁의 관점으로 투영한 또 다른 미래의 가능성을 관찰한다. 그의 작업은 트랜스미디알레 2021(2021, 사일런트 그린문화지구, 베를린), 라이브웍스 페스티벌 아트 2021-댄스 라이프(2021, 퍼포먼스 스페이스, 시드니), 싱가포르 국제영화제 2021(2021, 싱가포르),아시아 영화 기록보관소 2021(2021, 올덤 씨어터, 싱가포르) 등에서 선보였다. 2020년에는 독일 칼스루에 미디어아트센터(ZKM)와 슐로스솔리튜드 아카데미에서 ‘HASH’상을 받은 바 있다.
돈선필
돈선필은 하위문화에 등장하는 캐릭터와 배경, 그리고 그것의 탄생 과정을 다양하게 소비하며 재생산한다. 또한 현실을 모방하고 복제하는 해상도 과잉 시대의 강박적 리얼리티를 비평하는 입체 조형물과 영상 작업을 제시한다. 개인전 «SADER X SABER»(2021, 미도파), «Cats on Mars»(2021, 쿤스트할오르후스, 오르후스), «Portrait Fist»(2020, 아트선재센터)를 개최했으며 단체전 «조각 충동»(2022, 북서울시립미술관), «Selfish Art-Viewer: 오늘의 감상»(2021, 금천예술공장), «디자인은 다소 변경될 수 있습니다»(2018, 그라시메세, 라이프치히) 등에 참여하였다.
모레신 알라야리(Moreshin Allahyari)
모레신 알라야리는 뉴욕을 기반으로 활동하는 이란계 쿠르드인 작가로3D 시뮬레이션, 비디오, 조각, 그리고 디지털 패브리케이션을 활용해 신화와 역사를 재고한다. 작가는 서구의 기술적 식민주의의 영속적인 영향력에 대항하는 복합 서사를 동남아시아와 북아메리카의 맥락에서 아카이브 연구 및 스토리텔링을 통해 직조한다. 그의 작업은 베니스비엔날레 국제건축전, 뉴 뮤지엄, 휘트니 미술관, 퐁피두 센터, 몬트리올 현대미술관, 테이트 모던 등 다수의 전시와 축제, 워크숍에 소개되었다.
무니페리
무니페리는 아시아 페미니즘과 비거니즘, 인간동물학(human-animalstudies) 등을 횡단하며 리서치와 사유를 바탕으로 이야기를 수직, 수평으로 엮어 영상매체로 제시한다. 서로 연관없어 보이는 이야기들의 연결지점을 찾으며 동아시아의 관점에서 시공을 가로지르는 이야기를 만들고자 한다. «금호영아티스트»(2022, 금호미술관), «빈랑시스»(2021, 씨알콜렉티브), «Mooni Perry Exhibition»(2020, 뷰로크라시스터디스, 로잔) 등의 개인전을 개최하였으며, 2021년부터 큐레이터 장한웬과 온라인 아시아 페미니즘 플랫폼 AFSAR(Asian Feminist Studio for Art and Research)을 시작하여 여러 연구자, 활동가, 작가와 함께 다양한 프로젝트를 진행해오고 있다.
송민정
송민정은 작가 본인이 사용자가 되거나 관찰자, 사색자로 참여하는 세계 내에서 신체적인 이동을 통해 흐름을 만든다. 몸이 놓인 장소와 심리적 장소를 뒤섞는 방식에서 발생하는 모호한 감정으로부터 작업의 언어를 찾는다. 개인전 «이빨 버터»(2021, 쿤스트할오르후스, 오르후스),«COLD MOOD(1000% soft point)»(2018, 취미가) 등을 선보였으며, «거울 속의 사물은 실제보다 가까이 있다»(2021, OCAT, 상하이), «경계에서의 신호»(2021, 남서울 시립미술관), «전술들»(2021, 백남준아트센터), «부산비엔날레 : 열 장의 이야기와 다섯 편의 시»(2020, 부산현대미술관), «연대의 홀씨»(2020, 광주아시아문화전당), «젊은모색»(2019, 국립현대미술관) 등 다수의 단체전에 참여한 바 있다.
업체eobchae
업체eobchae는 김나희, 오천석, 황휘로 구성된 오디오-비주얼프로덕션으로, 비평적 관점이 소거되지 않은 재화와 용역을 생산하고 거래한다. 컴퓨팅 장치를 통해 토착적인 초상과 미래에 속하는 이미지들을 불러오며, 생성된 타임라인을 가로질러 물질적인 신체와 가상적인 영혼을 연동시킨다. 개인전 «AMAEBCH»(2022, 뮤지엄헤드), «업체eobchae × 류성실, CHERRY-GO-ROUND»(2019, 백남준아트센터) 등을 선보였으며, «아레시보»(2022, TINC), «현실이상»(2020, 백남준아트센터), «내가 사는 피드»(2020,아르코미술관), «뉴스, 리플리에게»(2018, 북서울시립미술관) 등 다수의 단체전에 참여했다.
이영주
이영주는 가족, 국가, 인종, 문화, 언어에 따라 개인의 정체성과 가치관이 변화하는 것에 주목해 왔다. 최근 작업에서는 탈식민지적, 탈남성주의적 시점에서 집단과 개인의 연관성을 탐구하여 애니메이션, 가상현실, 퍼포먼스, 드로잉, 입체 조형물 등을 통해 서술한다. 또한 개인의 성 정체성, 사회적 역할, 경제적 지위에 따라 차별, 소외, 동화되는 현상을 비판적인 시각으로 제시한다. 그의 작업은 «리자디언들»(2021, 탈영역우정국), «We are never going to be thesame»(2021, 오치 프로젝트, LA) 등의 개인전과 «재난과 치유»(2021,국립현대미술관 서울), «쿠리치바 비엔날레»(2013, 오스카 니마이어박물관, 쿠리치바) 등의 단체전에서 선보여왔다.
케이켄
케이켄은 2015년 타냐 크루즈, 하나 오모리, 이사벨 라모스가 공동으로 설립한 콜렉티브로, 런던과 베를린을 기반으로 활동하고 있다. 멕시코, 일본, 유럽, 유대계 등 새로운 구조와 생존 방식 그리고 가능한 미래의 모습을 실험하기 위해 협력적으로 메타버스를 건설하고 상상하는 작업을 선보인다. 영화, 게임, 설치, 확장현실(XR), 블록체인, 퍼포먼스와 같은 다양한 매체를 사용하면서 사회적 동화가 어떤 방식으로 인간의 느낌과 생각, 그리고 인식을 지배하는지 탐구한다.2022년 네덜란드 엔세헤데의 테템, 2020년 영국 리버풀의 FACT(Foundation for Art & Creative Technology)에서 개인전 «증강공감»을 가졌으며, 독일, 일본, 중국 등 여러 단체전에 참여했다. 2022년 샤넬 넥스트 프라이즈를 수상하였다.
클라라 조(Clara Jo)
클라라 조는 설치와 영상을 주요 매체로 사용하여 우리의 취약한 점과 불안정성을 발견하고 다양한 존재들이 연결된 방식에 대해 탐구한다. 뉴욕 바드 컬리지에서 학사를, 베를린 국립예술대학 공간 실험인스티튜트에서 석사를 졸업했다. 그의 작업은 런던 왕립예술원, 킹스 컬리지, 바비칸센터, 베를린 필름 앤 비디오아트 연구소 아르스날, 베를린 함부르거 반 호프 현대미술관, 코펜하겐 덴마크 국립박물관등에서 전시되었다. 2022년에는 독일의 올덴부르크 에디스 러스미술관에서 개인전 «미러 터치»를 열었으며 영국, 프랑스, 미국 등 다수의 단체전에 참여한 바 있다.
혼프(하우스 오브 내추럴 파이버)
혼프(하우스 오브 내추럴 파이버)는 1999년 인도네시아 욕야카르타에서 시작된 콜렉티브로, 수하르토 정권 아래 자행되는 족벌주의와 부패 등 여러 사회적, 정치적 소용돌이에 대항하며 탄생했다. EFP(Education Focus Program 교육 중심 프로그램) 커리큘럼을 통해 협력적, 학제적, 기술적 행동들을 일상생활에 적용하는 것에 집중하며 여러 사회, 문화, 환경 문제에 대응한다. 2011년 재단으로 전환하였으며, 2020년에는 인도네시아예술·과학·기술 센터를 설립하여 다양한 공동체, 프로그램을 운영하고 활동하고 있다. 이들의 작업은 «Wunder der Prärie InternationalesLive-Art Festivals»(2021, Zeitraumexit, 만하임), «커런트 페스티벌»(2021, ENBW-Terrain, 슈투트가르트), «죽은자들의 아틀라스»(2018, 혼프 시민 연구소, 욕야카르타), «인간의 모험»(2016,아트사이언스 뮤지엄, 마리나 베이 샌즈) 등 여러 단체전에서 선보여왔다.
황선정
황선정은 인간-자연-기술의 유기적인 연결성을 찾으며, 다학제적연구를 근간으로 비인간, 포스트휴먼과 기술, 자연과의 관계에 주목한다. 디스토피아로 대변되는 포스트모던 시대의 결핍에 대해 상상하면서 감각과 비감각, 인간과 비인간의 인터페이스를 실험하고, 이 시대의 휴머니티를 제안한다. AI, 제너러티브 코딩, 음악, 오디오비주얼 등의 다양한 기술 매체와 유기성을 바탕으로 하는 컴퓨팅 작업, 유기체 운동연구를 통한 바이오 미디어와의 결합을 시도한다. 최근 작업에서는 식물에서 얻은 데이터를 바탕으로 한 사운드 작업과 균사 네트워크를 가상세계로 구현한 ‹탄하무 프로젝트›를 이어가고 있다. 그의 작업은 «오가노토피아»(2022, 파라다이스아트랩), «새로운 지구 행성으로의 이주»(2021, 국립아시아문화전당) 등 단체전에서 선보여왔다.
김안나
김안나는 광주를 기반으로 활동하는 멀티미디어 작가이다. 캘리포니아로스앤젤레스 출신인 그는 재미교포라는 자신의 하이브리드 정체성을 토대로 인류가 기술 및 자연과 맺는 관계와 관련하여 생태학적 관점을 생성할 수 있는지 탐구한다. 그의 작품은 환경적, 정신적, 사회적 폭력의 트라우마에 대처하는 것을 다루며, 지배적인 서사에 대항하고 대안적 주체 생산을 제시할 수 있는 예술적 가능성을 고찰한다. «Beyond Human»(2021, Media338), «Neosurreal»(2022, 7T Gallery) 등의 개인전을 개최하였으며, «디지털 공명»(2022, GMAP), «인간과 비인간: 아상블라주»(2021, 바다미술제), «지속 가능한 미술관: 미술과 환경»(2021, 부산현대미술관), «마이너스 엔트로피의 장»(2021, 싱가포르 국립미술관, 싱가포르) 등 다수의 단체전에 참여했다.
비샬 쿠마라스와미(Vishal Kumaraswamy)
비샬 쿠마라스와미는 텍스트, 필름, 사운드, 퍼포먼스, 컴퓨테이셔널 아트를 주요 매체로 사용하는 인도 방갈로 기반의 작가이자 큐레이터다. 그의 작업은 카스트 제도의 하위 계급에 위치하는 자신의 정체성을 비롯하여 카스트 제도, 인종, 테크놀로지 등을 둘러싼 다양한 비평적 관심에서 기인하며, 실험적 기술들을 활용한 미디어 기반의 작업들을 제작해오고 있다. 베니스 비엔날레 리서치 파빌리온, 아테네 디지털아트 페스티벌, 바드 컬리지 큐레이터학 연구센터, 영국 왕립예술대학교 등에서 작업을 선보였다. 개인전 «디지털 현실»(2022, 사이트 갤러리, 셰필드) 등을 선보였으며, «스피치 사운드»(2022, 카로우 아트 페스티벌, 카로우), «경로 변경»(2022, 캘거리 현대미술관, 캘거리) 등 다수의 단체전에 참여하였다.
리티카 비스와스(Ritika Biswas)
리티카 비스와스는 영국에서 활동하는 인도 출신의 큐레이터로 실험적 가상 예술 플랫폼과 비인간 생태학, 그리고 탈식민지적 디지털 전략에 관심을 둔다. 글로벌 사우스 담론을 기반으로 생태주의와 공동체 만들기의 실천을 모색하면서 이에 대한 심화 연구를 진행한다. 그는 싱가포르와 뉴욕의 여러 큐레토리얼 공간을 거쳐, 영국 노팅엄뉴 아트 익스체인지와 노팅엄 아트 밀라 디지털 페스티벌의 큐레이터로 활동했다. «2021년 바다 미술제: 인간 비인간 아상블라주»의 전시감독을 맡은 바 있다.
리 위판(Li Yi-Fan)
리 위판은 조각, 회화, 프로젝션 등 다양한 매체를 작업에 사용한다. 그의 작업은 배출된 폐기물처럼 보이기도 하지만, 전시장에 놓인 작업은 환상적 내러티브 오브제로 변형되어 그 이상의 의미를 지니게 된다. 관객들은 파편화된 잔재들을 바라보면서 위트, 욕망의 생성과 좌절 등 작가가 경험한 환각적 시공간을 조금이나마 엿볼 수 있다. 개인전 «카오스의 대피소.zip»(2019, 타이베이 디지털아트센터, 타이베이)을 개최했으며 단체전 2021 아시아 아트 비엔날레 «판타스마폴리스»(2021, 국립대만미술관, 타이베이) 등에 참여했다.
첸 샹웬(Chen Hsiang-Wen)
디지털아트센터 타이베이의 아트 디렉터로 활동하고 있는 첸 샹웬은 전시된 작품들이 상호 간에 만들어내는 역학에 중점을 둔다. 공간의 특수한 분위기를 예리하게 감지하는 안목을 지닌 그는 읽기 쉽고 관련성이 있는 컨텍스트를 제공하는 전시 내러티브 구성을 중요하게 다룬다. «사이의 삶: 현대 미술의 시각에서 본 몽골과 중앙아시아»(2022, 몽장문화중심, 타이베이), «우리가 남기고 간 이야기들로 거슬러 여행하기»(2021, 타이베이 현대미술관, 타이베이), «16회 디지털아트페스티벌 타이베이: 국경 없는 피난처»(2021, 디지털아트센터 타이베이, 타이베이), «숲을 형성하는 나무의 리듬»(2021, 자이미술관, 자이) 등 다수의 전시를 기획했다.
마라 조안나 콜멜(Mara-Johanna Kölmel)
마라 조안나 콜멜은 포스트-디지털 문화와 예술에 관심을 두고 활동하는 런던 기반의 큐레이터이자 미술사가이다. 서구 중심의 예술 규범이 지닌 틈새를 살피고 구조가 잊거나 지우고자 ‘선택’했던 것들을 인식하고 돌보는 일, 즉 응답하는 능력에 집중한다. 함부르크 쿤스트할레 아카데미 슐로스 솔리튜드, 시드니 비엔날레에서 큐레이터로 활동하였으며, 디지털 문화 기관인 ‘카라 아고라’의 창립 멤버로 활동하면서 디지털 영역을 탐구하고 있다. 메타버스 플랫폼 ‘모질라 허브’를 통해 온라인 전시를 기획하고, 디지털 환경에서 기술을 매개로 한 물리적 공간과 가상공간의 상호작용 가능성을 모색한다.
보선
프리랜서 작가이다. 어두운 마음 안에서 작은 빛을 찾아 그려내길 좋아한다. 더 많은 존재가 덜 고통받길 바라는 마음으로 비건을 지향하고 있다. 『적적한 공룡 만화』(2021), 『나의 비거니즘 만화』(2020), 『평범을 헤매다 별에게로』(2016)를 지었다.
서한나
『사랑의 은어』(2021)와 『피리 부는 여자들』(2020)을 썼다. 글에 대한 평가 중 반가웠던 것으로 “술 한잔하자고 하면 애니타임 슈어일 정도로 장소를 마법화시켜...”라는 말이 있다. 여자가 자신을 사랑하게 되는 순간 로맨스가 시작된다고 생각한다.
이길보라
농인 부모로부터 태어난 것이 이야기꾼의 선천적인 자질이라고 믿고, 글을 쓰고 다큐멘터리 영화를 찍는다. 18살에 학교를 그만두고 동남아시아를 홀로 여행하며 겪은 이야기를 『길은 학교다』(2009)와 『로드스쿨러』(2009)로 펴냈다. 농부모의 반짝이는 세상을 딸이자 감독의 시선으로 담은 영화 「반짝이는 박수 소리」(2014)를 찍고 동명의 책(2015)을 출간했다. 베트남전 한국군 민간인 학살에 대한 서로 다른 기억을 다룬 영화 「기억의 전쟁」(2018)은 부산국제영화제 와이드앵글 부문 심사위원 특별언급을 받았다. 2020년 네덜란드 암스테르담의 젊은 작가들에게 수여하는 ‘영 암스테르담 서포트 어워드’를 수상했고, 2020년 베를린국제영화제 ‘탤런츠랩: 독스테이션’에 공식 초청되었다. 2021년 네덜란드 정부가 세계 각국의 여성 리더에게 수여하는 ‘젠더 챔피언 어워드’를 받았다.
하미나
논픽션 작가이다. 학부에서 지구환경과학과 철학을, 대학원에서 과학사를 공부했다. 2016년 강남역 여성 표적 살인사건 이후 본격적으로 활동을 시작한 여성 운동 단체 ‘페미당당’에서 활동가로 지냈다. 이 시기에 깊어진 우울증을 고민하다 이를 주제로 논문을 쓰고 대학원을 탈출했다. 칼럼니스트, 과학 기자, 글쓰기 교사 등 다양한 직업을 전전하다 작가로 살기로 결심, 『시사IN』, 『한겨레21』, 『한국일보』 등 다양한 매체에 글을 기고해왔다. 2020년 그간의 연구와 만남, 고민을 한데 모은 첫 책 『미쳐있고 괴상하며 오만하고 똑똑한 여자들』(2021)을 펴냈다. 인간이 세계를 인식하는 방법과 그에 따라 실제로 다르게 존재하는 세계 사이의 관계에 관심이 있다.
PACK.(팩)
2017년 결성된 PACK.(팩)은 전시 기획, 웹 개발, 미술 교육, 연구, 브랜딩, 디자인, 출판 등 여러 방면에서 온라인과 오프라인을 오가며 활발히 활동해오고 있다. 작가, 기획자, 개발자 등 다양한 전문가와 협업하며 창작자 커뮤니티를 형성하고, 미술의 감상과 소장이 기술과 만나는 영역에서 새로운 프로젝트와 전시, 플랫폼을 기획한다. 주요 전시 및 프로젝트로 «힌터랜드»(2022, 뉴아트시티, 온라인 전시), «무엇이든 NFT»(2021, 공간 사일삼), «PACK 2019: 모험! 더블크로스»(2019, 탈영역우정국), «PACK 2018: 팅커벨의 여정»(2018, 공간 사일삼) 등이 있으며 «off»(2021, 공간 사일삼), «Art Street»(2020, 현대카드스토리지), «Take Me Home»(2019, 플랫폼엘) 등에 참여했다.
2022 아르코미술관 융복합 예술 페스티벌
땅속 그물 이야기
2022.08.11-10.23
아르코미술관 제1, 2전시실, 스페이스필룩스, 아르코아카이브 라운지, 온라인 플랫폼 뉴아트시티
온라인 전시관 〈균사체의 정원〉
newart.city/world/arko-festival-2022
땅속 그물 이야기 웹사이트
www.fable-net-earth.art
참여 작가
나타샤 톤테이(Natasha Tontey), 돈선필, 모레신 알라야리(Moreshin Allahyari), 무니페리, 송민정, 업체eobchae, 이영주, 클라라 조(Clara Jo), 케이켄(Keiken), 혼프(HONF), 황선정
참여 작가 × 게스트 큐레이터
김안나, 비샬 쿠마라스와미(Vishal Kumaraswamy) × 리티카 비스와스(Ritika Biswas)
리 위판(Li Yi-Fan) × 첸 샹웬(Chen Hsiang-Wen)
클라라 조(Clara Jo) × 마라 조안나 콜멜(Mara-Johanna )
사전워크숍 「함께-세계만들기 Worlding-with」 & 필자
보선, 서한나, 이길보라, 하미나
위원장 박종관
미술관장 임근혜
미술관운영부장 최혜주
큐레이터 노해나
코디네이터 박유진, 조성현
인턴 강수빈, 유승아
홍보 박상은
미술관매니저 이상미
시설 윤천학
온라인 전시관 공동기획 및 제작 PACK.(팩)
컨셉아트 박무현
3D 제작 오하늘, TSC
사운드 안효주
그래픽 디자인 및 웹사이트 개발 y!(와이팩토리얼)
미디어 솔루션 만리아트메이커스
공간디자인 포스트스탠다즈
전시장 조성 주식회사 녹담
작품 현지제작 총괄 강우혁
작품 자막 번역 장우진, 양이녕
작품 자막 제작 정필름
작품 운송·설치 TNL다산아트
에디터 장서윤
번역 이미지, 이수진, 이예원, 홍지연
영문 교정교열 김하민, 라이언 칼스텐
사진기록 홍철기
영상제작 강신대, 이의록, PACK.(팩)
자문 김정태, 최윤하
주최
협력
1.
Introduction
2022 ARKO Art & Tech Festival The Fable of Net in Earth is an exhibition that examines shifts in digital networks and conditions of art production in a cumulatively accelerating hyper-connected society, exploring how this drift continues beyond speculative stories to practices in the real world. Instead of embodying the fantasy of connecting the virtual world to reality with digital-based technologies such as augmented reality and interaction, it focuses on how speculative or imaginary stories are led to knowledge and practices, creating Earth-shaking changes. The Fable of Net in Earth metaphorizes a decentralized network system of Web 3.0 by likening it to the system of fungal clusters, such as mushrooms and molds. It also addresses the unrevealed entanglement of humanity, nature, and mythological beings as beings of earth and concentrates on the story of ‘worlding’ that they portray.[1]
This story starts with a suggestion to view the present and future life in a new scope, deviating from the order that the knowledge system of this era has given. Aiming towards ‘disenchantment of the world,’ the knowledge system of today alleviates the confusion caused by the hybridization of humans and non-human beings and separates the realms of the sacred and the profane, civilization and non-civilization, soul and living. However, this festival presents a magical world in which all beings of earth are intertwined through the ‘re-enchantment of the world’ that creates bonds between the life and knowledge of non-human beings, such as animals, spirits, and myths, which have been disconnected by anthropocentric, scientific, and rational conceptions.
The Fable of Net in Earth supposes the exhibition space of ARKO Art Center and the online virtual exhibition space as a platform where a storytelling tool that has stepped out from normality and order is activated through digital creations to create a new story. In Gallery 1, The Unknown and Wildness allows the audience to experience multi-layered cosmology in different time zones with longstanding narratives on the coexistence of mythology, spirits, and wildness (Clara Jo, Mooni Perry, Morehshin Allahyari, Natasha Tontey, Youngjoo Lee). In Gallery 2, Mutant World introduces a speculative world where a decentralized and distributed network of Web 3.0 is formed in the digital world (eobchae, Keiken, Song Min Jung, Sunjeong Hwang, Sunpil Don). The Underground Garden in SpaceFeelux is where HONF’s work as well as many programs that share the knowledge and practices of collectives and communities that resemble the energy of earth can be found.
Meanwhile, the online virtual space Mycelium Garden invites the audience to explore digital works as if they’ve become microscopic spores, in the micro-fictional world organized according to the growth phases of fungus. In addition to the artworks by eleven artists in the physical exhibition space, the audience will be able to encounter commissioned and collaborative works by the artists with three guest curators (Anna Kim, Vishal Kumaraswamy × Ritika Biswas, Clara Jo × Mara-Johanna Kölmel, Li Yi-Fan × CHEN Hsiang-Wen). Moreover, the audience can find the phrases and writings written by four writers Bora Lee-Kil, Bosun, Hannah Seo, Mina Ha based on the output of the festival’s pre-exhibition workshop Worlding-with, where they discussed real-life changing stories and potentials of practices, in electric signals in Mycelium Garden. Stories of the virtual space can also be found in the viewing room in the ARKO Archive Lounge on the second floor. The festival is preparing for another online exhibition and screenings in Mycelium Garden in collaboration with Digital Art Festival, Taipei, which will be released on September 30 during the festival.
Existences under earth that create a hybrid world with multiple perspectives are ‘compost’ beings which live and die in conjunction with various creatures on Earth. The world depicted through the scope of mutants and hybrid beings[2] is filled with the energy of recovery, reconstruction, and creation of future generations. It is the power of mutants and the vitality of earth that makes it possible to grow new seeds on the wasted land. We invite you to stay together in the mutant world with underground beings in earth.
[1] The Fable of Net in Earth shares the wisdom of Nausicaä, a mediator from Nausicaä of the Valley of the Wind (1984), who connects the mutants of the fungal forest and the human community to coexist. It also refers to the ecological cycles of the imaginary world in which contaminated fungal forests prepare for regeneration and circulation in deep earth.
[2] According to Donna Haraway, ‘compost’ is a configuration of deanthropocentrism and a concrete shape that life and death of multispecies are intertwined in mutual interdependence. Donna Haraway, Staying with the trouble, North Carolina: Duke University Press, (2016), 32.
2.
Offline Exhibition
2.1.
Gallery 1: The Unknown and Wildness
The Unknown and Wildness introduces the myths and spirits that have passed down through generations and the coexistence of wildness with them. This part of the exhibition highlights the coexistence of animals and spiritual beings from mythology in the open world with different times and cultures. A story that traverses magical imaginations across time and space allows the audience to face a multi-layered cosmology.
1. eobchae, Eobchaecoin Breadcrumb, 2022, acrylic and metal, dimensions variable.
Production: Sulki Kim
Eobchaecoin Breadcrumb introduces eobchaecoin as an object, a virtual currency that becomes a stage in eobchae’s fictional worldview. Eobchaecoin is an untradeable coin but is still tracked in wallets. These shiny acrylic pieces maximize the illusion bubbling in front of your eyes as well as the paradox of currency. The illusionistic fake currency is drawn from the abyss, the world of souls, and appears throughout the exhibition space, revealing both the captivation and instability of virtual currency.
2. Morehshin Allahyari, She Who Sees the Unknown: Aisha Qandisha, 2018, 3D printed resin sculpture, reflecting pool, single-channel HD video, 7 min 11 sec
Aisha Qandisha is one of the most awed jinn in Islamic culture. She is the jinn of rivers and is known as “the opener”. When Aisha occupies men, she allows the incoming of jinn or demons by opening up their body and turning it into a traffic zone. She Who Sees the Unknown: Aisha Qandisha conveys a personal love story of women and femmes who have experienced toxic masculinity and emotional abuse. Their collective experiences are recollected through the power of Aisha and a ritual of spirit possession. Moreshin Allahyari focuses on the tears of those who are often invisible and silenced, especially women of color.
3. Youngjoo Lee, Apparition, 2022, ceramic masks, modified virtual reality headset, metal stand, chair, VR video, dimensions variable, 3 min 50 sec.
Music composition: Jacob Cooper
In Apparition, the artist portrays an image of the relationship between nature and humans by revisiting her own experience with a local therapist in South America, using four ceramic masks each representing land/roots, a lizard, a jaguar, and a raven. The fifth mask is a transformed virtual reality headset rendered from an endangered musk deer, representing the last moments of countless animals and plants that once existed on Earth. The audience experiences the last moments of this musk deer through VR video and participates in the ceremony to honor the spirits of endangered species.
4. Youngjoo Lee, Jaguar’s Vision, 2021, animation, 3 min 50 sec
Music Composition: Cristian Amigo
Jaguar’s Vision questions the loss and confusion of what humans, who have long been a part of nature, have now lost by dominating it through the encounter between a jaguar and four men. Humans were a part of nature for many years and considered nature a mysterious being to respect and learn from. However, nature is also a place of cruelty and relentless struggles that threaten lives, which humans have survived through mutual support. In this work, the jaguar represents nature that humans considered sacred. The jaguar, which once was a revered being, is turned into objects and commodities that humans project their own desires onto.
5. Clara Jo, De Anima, 2021, three-channel video, sound (stereo), 30 min 48 sec
De Anima presents a fantasy narrative encompassing the genres of documentary and animation and explores how various race, economic, and metabolic systems inherent in the global medical system arouse fear of infection triggered by the non-human world, as revealed by the incidence of COVID-19. The three figures that appear in the video are adapted from various remarks the artist came across in Myanmar, Kenya, and France, revealing the complex relationship between humans and the wild. This work was initiated in 2018 from a field study with Smithsonian wildlife veterinarians in Myanmar. The sacred cave presented in the video becomes a hotbed of international conflict that intersects and reflects various ecosystems as well as a spiritual platform between humans and animals, science and religion, and nature and politics.
6. Mooni Perry, Research with Me, Missing: when my dog can’t even come back as a ghost, single-channel 4K video, color, sound (stereo), 40 min
7. Mooni Perry, Palanjungcheob, 2022, single-channel 4K video, color, sound (stereo), 2 min 24 sec
Mooni Perry’s film project, Missing: when my dog can’t even come back as a ghost, tells the story about cloning (of animals) as an ‘artificial suture’ to overcome the loss and emptiness resulting from losing something or someone one loves, embodied as an oriental fantasy. A reading performance video shown in this exhibition, Research with me, Missing: when my dog can’t even come back as a ghost, intersects the story which refers to the intermediate state after death, disappearance, mourning, and different religious views on death, with the cloning business. At the same time, the work conveys the potential fantasy of East Asian fantasy novels through pansori[1] of sorikkun[2]. Palanjungcheob is an animation piece that offers a glimpse of the main characters leading the project and their perspectives on the world.
[1] Pansori (판소리) is traditional Korean musical art, a form of Korean storytelling folk song, performed by a vocalist and a drummer.
[2] Sorikkun (소리꾼) refers to a professional singer who sings pansori.
8. Natasha Tontey, The Epoch of Mapalucene, 2021, single-channel HD video, 14 min 36 sec
9. Natasha Tontey, Wa’anak Witu Watu, 2021, single-channel HD video, 24 min 58 sec
With her interests in interacting with stone―as an elixir, divine, a means of contemplation, gender expression, and sacred object―Natasha Tontey challenges herself by posing an ontological question of stone that is conceived from a scientific and modern approach. In her work Wa’anak Witu Watu, Tontey explores the fiction, myth, and cosmology of the Manahasa tribe and their relationship with stone as a geo-entity, which leads her to speculatively imagine the future of stone in 100, 1,000, or 10,000 years. In The Epoch of Mapalucene, the artist investigates the dynamics of the Minahasa worldview through the perspective of digital culture, imagining its potential as an alternative society based on reciprocity that brings together animate and inanimate realms.
2.2.
Gallery 2: Mutant World
In Mutant World, we break away from the real world to discuss the speculative world and predict the reality of the near future. This part of the exhibition articulates the consciousness augmented by technology, the ego extending like a net, and the world of mutants created through synthesis and transformation. It also intersects virtual and real space, inducing the formation of third senses and experiences. Mutant World will allow the audience to reflect on the possibility and impossibility of worlding.
10. Song Min Jung, Scene, 2022, single-channel Full HD video installation, infinite loop, color, sound
“Scene” as a noun means a view, incident, or place. It also is a theatrical term that refers to parts making up a film or drama, comprising a series of actions or dialogues occurring in the same place at the same time. As its title implies, the artist visually organizes a particular scene in the gallery, which leads the audience to track the past and become part of the present scene/place/time to engage with the work. Being placed in a relationship of reading and modifying each other between one place and another, the experience of resistance combines and diffuses with other moments that create an atmosphere of an organic and relentless conversation.
11. Sunpil Don, Four Feet Walking Station_Atomic, 2022, mixed media, 50×42×45cm
Sunpil Don, Four Feet Walking Station_Hikari, 2022, mixed media, 57.5×42×45cm
Sunpil Don, Four Feet Walking Station_Convert, 2022, mixed media, 58×42×45cm
12. Sunpil Don, Don’t Talk to Sleep Talkers, 2022, 4K video, 7 min. 18 sec
This work takes a critical view on high-resolution reality landscapes through the operating structure of a unique video genre called ‘special shooting.’ The work consists of three-dimensional sculptures in the form of figurines and narrative footage, emphasizing the strong connections between material and reality through loosely interconnected objects and films. This video installation reflects the desire to reproduce reality based on high-resolution and new technologies while relying on computing languages, incorporating the methodology of ‘Tokusatsu’ that preserves reality by embracing certain constraints. It raises awareness of the risk of high-resolution reproduction that combines the large-scale capital and authority of technology, with the act of simulating reality in a time when the status of analog and digital have come to be equal. At the same time, it experiments with the reality and potential worlding of small objects and materials.
13. Sunjeong Hwang, Tanhamu Species, 2022, digital sculpting, painted 3D printing, dimensions variable
Tanhamu Species, produced through digital synthesis and sculpting, imagines a synthetic object expanded in human bodies and senses and is combined with a system of fungal clusters in the fictional world of Tanhamu. Synthetic species with their original features were created: primarily, through the process of neural rendering, synthesizing data of humans and plants, and secondly, through the digital synthesis of the primary outputs including videos and images.
14. Sunjeong Hwang, Tanhamu_the times of dancings, 2022, 4K video, color, sound, 13 min
The Tanhamu project encompasses material metabolism between Earth and humanity in the current geological era, based on research and perspectives on the circulation of mushrooms (mycelium), network systems, mycelium networks, and symbiotic relationships of the Wood Wide Web. Tanhamu_the times of dancings is the third work of the Tanhamu project, exposing the relationship between non-human objects and humans, while expanding the fungal system in groups on the ground. Deviating from anthropocentric thinking, this film modifies non-human communication to dance, and aims to reveal the point where human movement and senses are connected to non-humans by using operations such as generative neural networks. Through this, the project offers freedom to the metabolism of beings (ourselves) and conveys speculations on the expansion of the senses.
15. Keiken, Morphogenic Angels and the Bubble Theory, 2022, CGI film, 4K video, color, sound, 7 min 56 sec.
Score and Sound Design: Wavesovspace
16. Keiken + Clifford Sage, Morphogenic Angels and the Bubble Theory, 2022, VR.
Score and Sound Design: Wavesovspace
17. Keiken + Gabriel Massan, Uxkme, 2022, lightbox print, 225cm×151.8cm×10cm
Keiken’s Morphogenic Angels and the Bubble Theory raises the question of the way ego and consciousness are represented. Keiken believes that future technology and simulation lead us to a clearer understanding of how consciousness is created. The artist points out that egos do not grow arbitrarily but instead relate to each other like an omnidirectional network that divides, merges, and spreads like a single bubble. The work features an upgraded version of human ‘angels’ living in the world 500 years from now. Playing ‘Dream Bubble Simulation Game’ on Uber 3000, an autonomous car that provides simulation therapy, the ‘angels’ observe their pasts as Baby and Soul Knight. The VR invites the audience to enter the Uber 3000 shown in the video and fully immerse themselves.
18. eobchae, AMAEBCH, 2022, single-channel Full HD video installation, color, sound, 12 min 11 sec
AMAEBCH begins with being presented to Bisamuncheon[1], the king of the other world presented in Seol Gong-chan Jeon[2] written in the early Joseon Dynasty. Bisamuncheon is a cross-world scripted by eobchae and appears on the acrylic screen through natural language processing, artificial intelligence ‘GPT-3’, and the rider sensor that recognizes things. The humankind in this work continuously asks rude questions even though they can access time and space beyond present lives. The scene of the oracle that shows the question and answer between a person who asks and a person who metaphors, encourages us to question the way our fate is in league with the liquidity indicator.
[1] Bisamuncheon (비사문천(왕), 毘沙門天(王)) refers to Vaiśravaṇa; the guardian of the North in Sanskrit, one of the Four Heavenly Kings and is considered an important figure in Buddhism.
[2] Seol Gong-chan Jeon (설공찬전, 薛公瓚傳) refers to the tale of Seol Gong-chan, a novel written by Chae Su (蔡壽, 1449-1515 before 1511.
19. eobchae, Eobchaecoin Breadcrumb, 2022, acrylic and metal, dimensions variable.
Production: Sulki Kim
Eobchaecoin Breadcrumb introduces eobchaecoin as an object, a virtual currency that becomes a stage in eobchae’s fictional worldview. Eobchaecoin is an untradeable coin but is still tracked in wallets. These shiny acrylic pieces maximize the illusion bubbling in front of your eyes as well as the paradox of currency. The illusionistic fake currency is drawn from the abyss, the world of souls, and appears throughout the exhibition space, revealing both the captivation and instability of virtual currency.
2.3.
Archive Lounge: Mycelium Garden
Online Exhibition Viewing Room
Mycelium Garden is an online exhibition where the audience can see the digital works of the festival participants. In the Archive Lounge, the audience can go on a walk in Mycelium Garden and experience digital works. Texts contributed by Bora Lee-Kil, Bosun, Hannah Seo, Mina Ha written at the preexhibition workshop Worlding-with, are also available on paper.
20. eobchae, Welcome to luge.money, 2022, QR code print on adhesive vinyl, dimensions variable
Welcome to luge.money is a survey website that offers eobchaecoin exchange tickets without a regulated closing time of the market. This website was developed by Crypto Anarchist cult, “The Ones Who Left on Luges,” as a platform, where the audience can actually receive fictional currency installed like a token in the exhibition space. luge.money partially provides eobchaecoin exchange tickets according to the patterns of user’s responses, which is used to receive eobchaecoin in a virtual time and space named Bubble. Eobchaecoin placed in the exhibition space is roughly distinct from the “real” eobchaecoin in the wallets, which draws the audience’s attention to knock on the door to Bisamuncheon[1].
*caption1: Bisamuncheon (비사문천(왕), 毘沙門天(王)) refers to Vaiśravaṇa; the guardian of the North in Sanskrit, one of the Four Heavenly Kings and is considered an important figure in Buddhism.
21. 「Worlding-with」 Workshop Text
①
Bosun, “A Day in the Life of Gardner Mycota", 2022
Bosun_A Day in the Life of Gardner Mycota_2022.pdf
②
Hannah Seo, “Text Cupid Eros", 2022
Hannah Seo_Text Cupid Eros_2022.pdf
③
Bora Lee-kil, “My Heritage Sign Language Dictionary", 2022
Bora Lee-kil_My Heritage Sign Language Dictionary_2022.pdf
④
Mina Ha, “Happy Ending", 2022
Mina Ha_Happy Ending_2022.pdf
22. Mycelium Garden Online Exhibition Archive
2.4.
SpaceFeelux: The Underground Garden
The Fable of Net in Earth aims to co-create relationships in which everyone is connected and symmetrical to the world of different species. In The Underground Garden, with presented works of HONF, various programs will be held during the exhibition such as strategies to be involved in continuous life, skills to communicate with each other in horizontal relationships and culture, and engagement of women in practices of land, technology, and science. Collectives, communities, and participants who resemble the energy of the land that would fill this space will share their own practices and knowledge in life and suggest their experiences of intimacy.
23. HONF(The House Of Natural Fiber), INGSUN, 2022, mixed media, iron structure, DIY electronic circuits, plants, video, microcontroller, textile, dimensions variable
HONF
Gisela Maria, Irene Agrivina, Nona Yoanisara, Bio Andaru, Haryo Hutomo, Dhoni Yudhanto
In collaboration with
Yudianto Asmoro, Yoga Permana Putra, Gian Pingga, Hogi Tetra, Galih Kurniawan, Aditya Tama, Louis Marcellino
HONF is an artist collective based in Indonesia. Their work INGSUN starts from the ancient Java philosophy of seeing the divine as a painter and human as a painting of the divine, connecting the traditional philosophy, mythology, and culture of Java to today’s technology and knowledge to share various activities and wisdom. In ancient philosophy, humans are distinguished by the external world called Lahir, and the internal world called Batin. Indeed, “Ingsun” means a truthful heart and consciousness in Batin, a space where humans can be connected with God and a bridge between the internal and external worlds. Based on these philosophical thoughts, Banyan tree (life), Nyai Roro Kidul (water), Dewi Sri (land & fertility), Sanctified Heirloom (power), Cantile (lust), and Temple (connection) are composed to resonate with today’s technology.
24. HONF(The House Of Natural Fiber), PUBLIC LAB & KITCHEN, 2022
HONF’s PUBLIC LAB & KITCHEN is a series of workshops on making and sharing that uses DIY (Do it yourself) and DIWO (Do it with others) practices. The Public Lab spreads and leads wisdom through a wide range of programs including a cooking workshop, a technology production workshop, screening, and talk programs held in the Underground Garden.
3.
Online Exhibition: Mycelium Garden
Mycelium Garden is the online exhibition space for the on-site exhibition The Fable of Net in Earth. This virtual space combines mycelia, which are products of nature, with artificial gardens, symbolizing a festival that builds root-like relationships. Mycelia are the vegetative organs of fungi. They grow thread-like hyphae underground and create electric signal, similar to nervous systems that function like words in human language. Based on these facts, the online exhibition space is presented as a microscopic world that mycelia inhabit below ground, where they formulate their language. The space is divided into four Gardens that mirror a fungus's developmental stages. Chytridiomycota Garden, is the center of the exhibit, to which Ascomycota Garden; Basidiomycota Garden; and Zygomycota Garden, are all connected. The audience can travel to each space through portals. The Gardens provide the audience with curated groups of digital works by the sixteen artists participating in the physical show and written works by four writers, which are found between mycelial structures. The online exhibition provides the audience with the experience of viewing the digital artworks while walking around the Gardens.
3.1.
Chytridiomycota Garden
Chytridiomycota, which originated from the Greek word "chytridion," meaning "little pot," are the most primitive fungi from the biological evolutionary perspective. Also referred to as "chytrids," they hold significant importance in material recycling in the ecosystem thanks to their capability to decompose dead organisms.
Following the traits of Chytridiomycota, which are the forebears of all fungi, titled Chytridiomycota Garden, functions as a hub as well as a passageway to the other online space, containing portals to Ascomycota Garden, Basidiomycota Garden, and Zygomycota Garden. The structure is also a visualization of the internal body of Chytridiomycota, which consists of multiple nuclei.
3.2.
Ascomycota Garden
Artists × Guest Curators
Anna Kim, Vishal Kumaraswamy × Ritika Biswas
Clara Jo × Mara-Johanna Kölmel
Li Yi-Fan × CHEN Hsiang-Wen
Ascomycota refers to fungi that produce ascospores during their reproduction. Inside each ascus are countless ascospores, consisting of a pair of nuclei. These nuclei merge and undergo meiosis, growing mushrooms that resemble cups or flasks. When disturbed, they shoot out spores as if they were emitting smoke.
Ascomycota Garden, connects the process of creating the artworks in the digital gallery with the traits of Ascomycota's developmental process, in which spores (seeds) are produced as nuclei merge and split. There are three Ascomycota structures in the Garden. Inside the structures, there are digital native works created collaboratively by guest curators and the exhibition artists, like thousands of spores conducting cell division to grow.
Anna Kim & Vishal Kumaraswamy, Psilocybin Gummies Melting into Hyphae , 2022, 3D installation
Curated by Ritika Biswas
Curatorial Essay
What are the aesthetics of subterranean beings? How do they enmesh with the subaltern in mycelial ways? How does a psychoactive mushroom feel upon entering a digestive tract? Are we capable of perceiving its intelligence, labour, and gifts?
This project asks viewers to interrogate their conceptions of rationalist frameworks of intelligence by inhabiting, transiently, a fungal being entering a gut microbiome, allowing a divergence and diffusion of selves across the multiple encounters across these hyphal growths.
Anna Kim envisions a psychedelic myco-scape leading us into a dark, iridescent undergrowth from which we then journey through a cavity teeming with mushroom growth and spores that speak of non-human, indigenous, and tribal histories. Finally, we emerge into a rarified entheogenic realm of psilocybin compounds, vibrating with the collective energies of spiritual and biochemical entanglements. Vishal Kumaraswamy constructs the pseudo-semiotics of fungal beings, imagining what it might sound like when psilocin navigates the existing biome of an animal or human digestive system or mushrooms communicate with one another. Using field recordings of festering fruit, soil movements, mulch, and human voices, he investigates what happens when myths and languages as we know them, fall apart in repetitions and then converge in pathways that only fungal knowledge can illuminate.
Li Yi-Fan, Howdoyouturnthison_2022, 2022, video, 4 min. 28 sec
Li Yi-Fan, Howdoyouturnthison_2022, 2022, video, 4 min. 3 sec
Li Yi-Fan, Howdoyouturnthison_2022, 2022, video, 8 min. 11 sec
Curated by CHEN Hsiang-Wen
Curatorial Essayn
Li Yi-Fan uses 3D animation as his primary medium. And is now creating a technique of connecting physical and digital bodies and swiftly manipulating characters by combining VR technology and game engines. His method aims to simplify the time-consuming 3D animation process to be more intuitive and to highlight his production efforts. We can see ourselves in a specific situation through VR, which is the same principle as when a dead being revives in a game. The artist asks where our subjectivity is in the video and game worlds or modern life, inseparable from digital technology. Is it in the body that belongs to the physical world, the clone in a cloud, or has it already been computer-coded?
Clara Jo, The Conclave, 2022, 3D installation
Curatorial Essay
Curated by Mara-Johanna Kölmel
The Conclave transports visitors into a mysterious cave, an other-worldly realm populated by composite species. Their corporeality emerges from digitally-mediated surfaces, the interplay of animal, mineral, plant, and human parts. Accompanied by reverberant sounds of dripping water and swarming bats, Clara Jo’s installation speaks to how deeply entwined human and non-human bodies are within the rapidly changing landscapes of our Earth.
The Conclave is based on Jo’s field research with Smithsonian wildlife veterinarians, searching for new strains of Coronavirus to predict future pandemics. In 2018, two years before the Covid-19 pandemic, Jo followed the team to various destinations including the sacred caves of Hpa-An in Myanmar, the home to many thousands of bats. As a sacred Buddhist site, tourist attraction, and research ground, Jo considers these caves both high-risk interfaces as well as sites of spiritual encounter between humans and animals, science and religion, nature and politics.
In The Conclave, ecosystems meet, converge, and feed into global conflict, away from plain sight. In a society faced with extreme and rapid human-induced changes in culture, geology, and biology, The Conclave reminds us that we are part of a shared ecology– life spaces that we never master nor possess, but merely inhabit.
3.3.
Basidiomycota Garden
Artists : eobchae, HONF, Keiken, Mooni Perry, Morehshin Allahyari, Natasha Tontey, Song Min Jung, Sunjeong Hwang, Sunpil Don, Youngjoo Lee
Basidiomycota refers to the life forms known as mushrooms that make up 80% of all fungus species. Their body is made of hyphae and produces a fruiting body (mushroom), which is visible to the human eye. Hyphae, which have a filamentous structure, grow mostly underground, under dead leaves, and quickly produce mycelia and mushrooms when fully grown. Then, they spread spores via mushrooms to continue their reproduction.
Basidiomycota Garden reflects Basidiomycota's developmental nature of spending most of their life underground and unseen. It presents digital works by the artists participating in the physical gallery exhibition. The audience can find these works accompanied by various mushrooms growing along the path made of mycelium.
HONF (The House Of Natural Fiber), INGSUN, 2022, 3D graphic
HONF
Gisela Maria, Irene Agrivina, Nona Yoanisara, Bio Andaru, Haryo Hutomo, Dhoni Yudhanto
In collaboration with
Yudianto Asmoro, Yoga Permana Putra, Gian Pingga, Hogi Tetra, Galih Kurniawan, Aditya Tama, Louis Marcellino
HONF is an artist collective based in Indonesia. Their work INGSUN starts from the ancient Java philosophy of seeing the divine as a painter and human as a painting of the divine, connecting the traditional philosophy, mythology, and culture of Java to today’s technology and knowledge to share various activities and wisdom. In ancient philosophy, humans are distinguished by the external world called Lahir, and the internal world called Batin. Indeed, “Ingsun” means a truthful heart and consciousness in Batin, a space where humans can be connected with God and a bridge between the internal and external worlds. Based on these philosophical thoughts, Banyan tree (life), Nyai Roro Kidul (water), Dewi Sri (land & fertility), Sanctified Heirloom (power), Cantile (lust), and Temple (connection) are composed to resonate with today’s technology.
eobchae, Eobchaecoin Breadcrumb, 2022, 3D graphic, dimensions variable
Breadcrumb refers to a visual element that helps users navigate the website. Users begin their exploration by detecting hidden information in the breadcrumbs scattered around the website. It is impossible to distinguish signals and revelations from the countless variables that control intuition. So, where will the users who chatter about each “eobchaecoin” (Breadcrumb) be led? Will they find “mooning” tickets (tickets to the moon) at the end of their wild journey, or will they only walk into the darkness, the heat death of the universe? The ending is wide open.
Sunpil Don, Burning Snowman, 2022, HD video, 37 sec
Sunpil Don, Manual for Burning Snowman, 2022, 4K video, 1 min 8 sec
Sunpil Don, Burning Snowman Figure, 2022, 3D graphic, dimensions variable
Burning Snowman presents the scorching summer heat and freezing winter coldness simultaneously. From viewing the work, one can truly understand how climate change threatens homeostasis, with its record-breaking heatwaves, unpredictable torrential rains, melting glaciers, and vanishing honeybees. Manual for Burning Snowman, lining up with the video in front of the 3D sculpture Burning Snowman Figure, shows the process of creating the figure in the graphic tool Blender. It plays a short script on repeat like end credits, revealing concerns regarding the surplus reality caused by VFX (visual effects), which pursues ultimate perfection. At the same time, it functions as a manual warning against a small catastrophe that may come soon.
Sunjeong Hwang, 5 Different Tanhamu Species, 2022, 3D graphic
The audience can find Tanhamu species in a video about Tanhamu online. Mycelium is an organism that has existed since the time before the geological age referred to as the Anthropocene. In other words, it has been around most of the geological period. Through these mushrooms called "metabolic organs," the artist reveals human-induced problems and looks into the ways of coexistence from the perspective of nature and earth. Utilizing neural rendering, a neural network, and an AI neural network—the most organic and generative technologies—5 Different Tanhamu Species presents the fungi’s relations and networks, and their nondeterministic process of growth in how fungi are synthesized and expanded like dancing waves.
Song Min Jung, Scene, 2022, 2D graphic
The work Scene follows a group that moves through a time in which one cannot adequately visualize what is happening. They face a conflicting experience between places because they are placed in a relationship in which they read and revise each other. Such incidents of theirs come together with other moments and also disperse, creating an atmosphere of organic and infinite conversations. The online exhibition presents the landscapes between the sites the group observes as digital sculptures.
Morehshin Allahyari, She Who Sees the Unknown: Aisha Qandisha, 2018, 3D printed resin sculpture, reflecting pool, single-channel HD video, 7 min. 11 sec
Aisha Qandisha is one of the most awed jinn in Islamic culture. She is the jinn of rivers and is known as “the opener”. When Aisha occupies men, she allows the incoming of jinn or demons by opening up their body and turning it into a traffic zone. She Who Sees the Unknown: Aisha Qandisha conveys a personal love story of women and femmes who have experienced toxic masculinity and emotional abuse. Their collective experiences are recollected through the power of Aisha and a ritual of spirit possession. Moreshin Allahyari focuses on the tears of those who are often invisible and silenced, especially women of color.
Youngjoo Lee, Apparition, 2022, 3D graphic
Apparition is a place where one can play with musk deer. The on-site exhibit allows the audience to imagine the perspective of the deer through VR. The online version illustrates an idealized dream where a musk deer character is running around, enjoying himself. In the online space, the male deer's scent gland (musk pod), which has commodity value as a traditional medicine and fragrance, floats around in the air. Like Super Mario's Super Mushrooms, which make the player grow more robust and bigger when consumed, scent glands are consumed as health tonics or panaceas in the real world.
Mooni Perry, Green Snake & White Snake Trading Card, 2022, 3D graphic
The last scene of the second chapter of Mooni Perry's Binlang Xishi tells a brief story that follows the ending of the Hong Kong film Green Snake (1993). The artist produced 3D trading cards with the film's two main characters, White Snake and Green Snake. There is also a video inside the mushroom in the online space consisting of the research keywords gathered during the execution of the artist's current project Missing: When My Dog Can't Even Come Back as a Ghost, as part of the Binlang Xishi project.
Keiken, BABY_101, 2022, 3D graphic
Keiken, BABY_102, 2022, 3D graphic
Keiken, BABY_103, 2022, 3D graphic
Keiken, BABY_104, 2022, 3D graphic
Keiken, BABY_201, 2022, 3D graphic
Keiken, BABY_203, 2022, 3D graphic
Keiken's “morphogenic angels" are presented in a series: infant life forms whose consciousness has just started evolving and developing, non-human entities, and avatars. These life forms come from the future of the metaverse, 500 years ahead in time, and are fully devoted to meaningful, gentle actions that heighten one's consciousness. Each has multiple heads, wings, tentacles, and feelers, experiencing the world through their senses in unique ways. They allow one to imagine the future of morphogenesis, the complemented body, and what these mean in terms of perception.
Natasha Tontey, Lumimuut and Toar, 2022, HD video, 15 sec
A legend says that the first member of the Minahasans was Karema, the goddess who gave birth to her daughter Lumimuut through a stone after prayers. Karema ordered Lumimuut to produce offspring, and Lumimuut became pregnant during a ritual and gave birth to a boy named Toar. As Minahasans went through the 6th and 7th-century colonization and wars and honored the warriors who fought in the wars, the power shifted from femininity to masculinity. As a result, Toar became a significant and respected figure. In her work, the artist reassesses Karema and Lumimuut, considered subordinate to Toar, to contemplate their relationship from a new perspective.
Natasha Tontey, The Epoch of Mapalucene Scheme, 2021, 2D graphic
The Epoch of Mapalucene is a speculative geologic epoch. Influenced by Minahasan cosmology and philosophy, the artist presents a geological force that allows mutual interaction and solidarity amongst Earth's inhabitants.
3.4.
Zygomycota Garden
Partner Organization: Digital Art Center, Taipei
Participating Artists: Chih-Chung CHANG, Chun-Ttien CHEN, Pou-Ching TSAI, Ta-Sheng KO, Yu LIU & Sih-Chin WU, Zhe-Hao HSU
Zygomycota is fungi that produce zygospores by joining two life forms. Because they cannot photosynthesize, they live on the nutrients of rotten fruits, soil, and excrement, and some are parasitic on animals and plants. A zygospore is similar to a kind of seed. Sporangia bloom from zygospores and then shoot and spread countless spores—this is how Zygomycota develop.
Reflecting the characteristics of the developmental stages mentioned above, titled Zygomycota Garden, is a space resulting from the cooperation between ARKO Art Center and the Digital Art Center, Taipei. The zygospores are made of screens presenting the six artists' works curated by the Digital Art Festival, Taipei. The videos will be released on September 30, the opening day of the Digital Art Festival, Taipei.
3.5.
Worlding-with
The written works and phrases were produced as part of a preliminary workshop Worlding-with for the 2022 ARKO Art & Tech Festival. Bo Seon, Hanna Seo, Bora Lee-Kil, and Mina Ha, the four participants, discussed the following over three meetings: strategies for sharing friendship, methods of transforming language into other senses, and various ways of exchanging stories. After the workshops, they created written works based on their conversations and their own interests. The entire text can be found on the teaser website and ARKO Archive Lounge, and selected phrases appear in the world of the online exhibition Mycelium Garden.
1.
Bosun
Bosun, “A Day in the Life of Mycota the Gardener”, 2022
A garden is home to all manner of living beings and therefore to conflicts. It’s down to us to mediate conflicts and support communal living. The gardener has one job here: to ensure no living being disappears from our garden.
Who inhabits a garden?
Mycota stood alone in the street. A few more mushrooms sprouted from their body.
It is Mycota’s first day as the village gardener. They’ve just moved to the village, but in time Mycota experiences a warm, damp transformation as they shift from outsider to inhabitant.
2.
Hannah Seo
Hannah Seo, “Text Cupid Eros”, 2022
The clitoris is exquisitely delicate and cute and above all helps those that help themselves.
I search for someone or something to make the ordinary extraordinary or to anchor me in the everyday. As do my friends, which is why one of them writes poetry.
A girls’ high school is an actual revolutionary space. Scribbled notes, fights, kisses running to kisses are a nightly occurrence there.
This we know: Sometimes, encountering a Nettie, a Carol, or that popular girl can be quicker than light and more encompassing than a sphere than it is to read the entire body of written works in the world.
3.
Bora Lee-Kil
Bora Lee-Kil, “My Heritage Sign Dictionary”, 2022
I’d only seen myself as being on the receiving end of this tactile sign, but now I use it to signal my own communication needs. I finally have a fuller understanding of its meaning.
An open door: a space that allows the visual-spatial and vocal-aural modalities of signed and spoken languages to flow; a connection, an invitation to communication.
Signing YOU or I/ME is an act of precise mutual communication and clear eye contact is maintained throughout.
‘My Heritage Sign Language Dictionary' is a lexicon of the signed language I’ve inherited. It is also the record of a bimodal bilingual, as I learned Korean Sign Language from my parents but use spoken and written Korean outside the home.
4.
Mina Ha
Mina Ha, “Happy Ending”, 2022
What she fears is precisely what she must set out to explore.
We all live several lives at once.
All paths are the same and lead nowhere.
We are never lost.
4.
Participant & Credit
Natasha Tontey
Natasha Tontey is an artist based in Yogyakarta, Indonesia, and her
artistic practice predominantly explores the fictional accounts of
the history and myths surrounding ‘manufactured fear.’ The artist
observes alternative possibilities of the future projected from the
perspective of the subtle and personal struggles of outcast beings,
rather than the existing perspective of major institutions. Her work
has been shown at Transmediale 2021 (Silent Green Kulturquartier,
Berlin, 2021), Liveworks Festival Art 2021-Dance Life (Performance
Space, Sydney, 2021), Singapore International Film Festival 2021
(Singapore, 2021), and Asian Film Archive 2021 (Oldham Theater,
Singapore, 2021). In 2020, she received the HASH Award from ZKM
and Akademie Schloss-Solitude.
Sunpil Don
Sunpil Don focuses on reproducing characters and backgrounds
in subcultures, how they come into being, and the various ways of
consuming them. He also presents three-dimensional structures
and videos that criticize the obsessive reality in the era of overresolution which mimics and duplicates reality. His solo shows
include SADERxSABER (Midopa, 2021), Cats on Mars (Kunsthal
Aarhus, Aarhus, 2021), and Portrait Fist (Art Sonje Center, 2021).
He has participated in group shows including Sculptural Impulse
(Buk-Seoul Museum of Art, 2022), Selfish Art-Viewer (Seoul Art
Space Geumcheon, 2021), and Please note: the design is subject to
change (Grassi Messe, Leipzig, 2018).
Moreshin Allahyari
Morehshin Allahyari is an Iranian-Kurdish artist based in New York.
She uses 3D simulation, video, sculpture, and digital fabrication as
tools to rethink mythology and history. Through archival practices
and storytelling, her work weaves together complex counternarratives in opposition to the lasting influence of Western
technological colonialism in the context of Southwest Asia and
North Africa. Her works have been introduced in international
exhibitions, festivals, and workshops including Venice Biennale di
Architettura, New Museum, The Whitney Museum of American Art,
Pompidou Center, Museum of Contemporary Art in Montreal, and
Tate Modern.
Mooni Perry
Intersecting Asian feminism, veganism, and human-animal studies,
Mooni Perry weaves her stories vertically and horizontally based
on research and philosophy, using video as her medium. She
creates a story that crosses time and space from the perspective
of East Asia, by connecting the dots in stories that seem unrelated
to one another. Her solo shows include Kumho Young Artist (Kumho
Museum of Art, 2022), Binlang Xishi (CR Collective, 2021), and
Mooni Perry Exhibition (Bureaucracy Studies, Lausanne, 2020).
In 2021, together with Hanwen Zhang, she launched the online
platform AFSAR (Asian Feminist Studio for Art and Research),
undertaking various projects in collaboration with researchers,
activists, and artists.
Song Min Jung
Song Min Jung creates a particular flow by physically traveling
within the world where the artist herself becomes a user, or
participates as an observer or a thinker. Her artistic language stems
from the ambiguous emotions that arise from the entanglement of
physical and psychological places. Selected solo shows include
transmør (Kunsthal Aarhus, Aarhus, 2021) and COLD MOOD (1000%
soft point) (Taste House, 2018). She has also taken part in group
shows including Objects in Mirror are closer than they Appear (OCAT,
Shanghai, 2021), Signaling Perimeters (Nam-Seoul Museum of Art,
2021), Tactics (Nam June Paik Art Center, 2021), Busan Biennial:
ten chapters and five poems (Museum of Contemporary Art Busan,
2020), Solidarity Spores (ACC, 2020), and Young Korean Artists
(MMCA, 2021).
eobchae
eobchae is an audio-visual production consisting of Nahee Kim,
Chunsuk Oh, and Hwi Hwang, producing and trading goods and
services with unmuted critical perspectives. Images that belong to
the future and are indigenous are recalled through computing devices,
linking the materialized body with the virtual soul across the generated
timeline. eobchae’s solo shows include AMAEBCH (Museumhead,
2022) and eobchae × Ryu Sungsil: CHERRY-GO-ROUND (Nam June
Paik Art Center, 2019), and various group shows including Arecibo
(TINC, 2022), Reality Errors (Nam June Paik Art Center, 2020), Follow,
Flow, Feed (Arko Museum, 2020), and News, Dear Mr. Ripley (Buk-Seoul
Museum of Art, 2018).
Youngjoo Lee
Youngjoo Lee’s interest lies in the shift in individual identities and
values according to family, country, race, culture, and language.
In recent works, she explores the relationship between groups and
individuals from a perspective of decolonization and deconstruction
of male-centeredness, using animation, virtual reality, performances,
drawings, and three-dimensional installations. Lee also critically
presents the phenomena of discrimination, alienation, and
assimilation according to individuals’ gender identity, social role,
and economic status. Her works have been shown in solo shows
Lizardians (Post Territory Ujeongguk, 2021) and We are
never going to be the same (Ochi Projects, LA, 2021), and in group
shows Catastrophe and Recovery (MMCA, 2021) and
Curitiba Biennial (MusA, São Paulo, 2013).
Keiken
Keiken is an artist collective co-founded by Tanya Cruz, Hana Omori,
and Isabel Ramos in 2015. Based in London and Berlin, they come
from mixed diasporic backgrounds (Mexican, Japanese, European,
and Jewish). Keiken collaboratively builds and imagines a metaverse
to simulate new structures and ways of existing and to test-drive
possible futures. Keiken explores how social assimilation dominates
feelings, thoughts, and perceptions of humans through a variety of
mediums including filmmaking, gaming, installations, extended reality
(XR), blockchain, and performance. They have held solo shows in Tetem, Enschede, Netherlands in 2022 and FACT, Liverpool, England
in 2020, and were the winner of the Chanel Next Prize in 2022.
Clara Jo
Clara Jo observes our weaknesses and instabilities and explores
how diverse beings are connected through installation and video.
She received a B.A. from Bard College New York, and her master
class from the Institut für Raumexperimente/Universität der Künste
Berlin. Jo’s work has been exhibited at the Royal Academy of Arts;
King’s College; Barbican Center; Institute of Contemporary Arts,
London; Arsenal – Institute for Film and Video Art; Hamburger
Bahnhof; Akademie der Künste Berlin; and National Museum of
Copenhagen, Denmark. She is currently the Vroman fellow at the
Jan van Eyck Academie, and was a fellow at the Akademie Schloss
Solitude in Stuttgart from 2020-21, as well as a fellow for
Smithsonian Artist Research in 2018. She has had a solo show
at Edith-Russ-Haus für Medienkunst in Odenburg, Germany, and
participated in various group shows in the UK, France, and the USA.
HONF (The House Of Natural Fiber)
HONF is a collective started in 1999 in Yogyakarta, Indonesia. It was
born out of the social and political turmoil against the Suharto’s
regime, its nepotism and corruption. Through the Education
Focus Program (EFP) curriculum, HONF concentrates on applying
collaborative, cross-disciplinary, and technological actions to
everyday life and responds to various social, cultural, and
environmental challenges. In 2011, In 2020, the Indonesian Centre
for Arts, Science and Technology was established to actively run
their communities, programs, and activities. Their works are shown
in various international exhibitions, including Wunder der Prairie
Internationales Live-Art Festivals (Zeitraumexit, Mannheim, 2021),
Current Festival (ENBW-Terrain, Stuttgart, 2021), Atlas of the Dead
(HONF Citizen Laboratory, Yogyakarta, 2018), and A Human Adventure
(ArtScience Museum, Marina Bay Sands, 2016).
Sunjeong Hwang
Sunjeong Hwang looks for an organic connection between humans,
nature, and technology, focusing on the relationship between nonhumans, post-humanity and technology, and nature based on
multidisciplinary research. Imagining the deficiencies of the
postmodern era, represented by dystopia, she attempts to experiment
with sensory and non-sensory, human and non-human interfaces,
and proposes humanities of this generation. Using various technical
media such as AI, general coding, music, and Audiovisual, she seeks
to combine with bio-media through computing work based on organic
structures or research on organisms’ movement. Currently, based on
research about plant and mycelium networks, she is continuing sound
works based on data obtained from plants and Tanhamu Project,
constructing mycelium networks into a virtual world. Her works have
been shown in various exhibitions including Organotopia (Paradise Art
Lab, 2022) and Migration to a New Earth Planet (ACC, 2021).
Anna Kim
Anna Kim is a Gwangju-based multimedia artist from Los Angeles,
CA. Her work is based on her hybrid identity as a Korean American,
exploring whether it is achievable to produce an ecological
perspective regarding the human relation to technology and nature.
Her work deals with responding to traumas caused by environmental,
psychological, and social violence while contemplating the
possibilities of art that go against the dominant narrative and
proposing to generate an alternative subject. Kim's solo exhibitions
include Beyond Human (Media338, 2021) and Neosurreal (7T
Gallery, 2022). In addition, she has participated in a number of group
exhibitions, such as Digital Resonance (GMAP, 2022), Non-/Human
Assemblages (Sea Art Festival, 2021), Sustainable Museum: Art
and Environment (The Museum of Contemporary Art Busan, 2021),
and Negentropic Fields (National Museum of Singapore, Singapore,
2021).
Vishal Kumaraswamy
Vishal Kumaraswamy is a Bangalore, India-based artist and curator
who mainly works across text, film, sound, performance, and
computational arts. His media-based works originate from various
critical interests, including his own subaltern caste lineage, the
caste system, race, and technology, and employs experimental
technologies. Kumaraswamy has presented his work at the Venice
Biennale's Pavilion, Athens Digital Arts Festival, CCS Bard College,
and the Royal College of Art, among others. In addition to his solo
exhibition SITE Gallery Realness (Site Gallery, Sheffield, 2022),
he participated in numerous exhibitions, including Speech Sounds
(Carlow Arts Festival, Carlow, 2022) and Rerouting (Contemporary
Calgary, Calgary, 2022).
Ritika Biswas
Ritika Biswas is a UK-based curator from India. She is interested in experimental virtual art platforms, non-human ecology, and post-colonial digital strategies. Her research focuses on the practice of ecology and community-building, particularly within the Global South. She was a curator for New Art Exchange and Nottingham Arts Mela Festival, Nottingham, UK. Biswas also served as artistic director for the 2021 Sea Art Festival: Non-/Human Assemblages and has worked in curatorial capacities in Singapore and New York.
Li Yi-Fan
Employing the forms of sculpture, painting, and projection, Li Yi-Fan transforms his work into a fantastic narrative object lying fragmentary in the exhibition venue, a work bearing more than a passing resemblance to the detritus of bitter struggles. The viewers may have a glimpse of the psychedelic space-time through which the artist has traveled, which contains his wit and the emergence and disillusionment of desires. He held the solo exhibition Shelter_of_chaos.zip (Digital Art Center, Taipei, Taipei, 2019) and has participated in group exhibitions including the 2021 Asian Art Biennial “Phantasmapolis" (National Taiwan Museum of Fine Art, Taichung, 2021).
CHEN Hsiang-Wen
As the current art director at the Digital Art Center, Taipei, CHEN Hsiang-Wen focuses on the interrelated dynamics among displayed artworks with a keen eye for spatial ambiance. She specializes in constructing exhibition narratives that provide readable and relatable contexts. She has curated numerous exhibitions such as Life in-betweens: Mongolia and Central Asia through the Perspective of Contemporary Art (Mongolian and Tibetan Cultural Center, Taipei, 2022), Traveling Backwards to the Stories We Left Behind (MoCA Taipei, Taipei, 2021), The 16th Taipei Digital Art Festival 2021: Borderless Shelter (Digital Art Center, Taipei, Taipei, 2021), and A Rhythm of Tree Forming the Forest(Chiayi Art Museum, Chiayi, 2021).
Mara-Johanna Kölmel
Mara-Johanna Kölmel is a London-based curator and art historian interested in post-digital culture and art. Her practice dedicates to identifying the gaps of a white Western art canon and unlocking it as space that comes with response-ability—the ability to respond to its architectures of power and to think with, to care for those it chooses to forget, erase, and leave behind. She has performed international curatorial roles for Hamburger Kunsthalle, Akademie Schloss Solitude, and the Biennale of Sydney and is also a founding member of the digital culture institution KARA AGORA, exploring the digital field. She organized online exhibitions using Hubs by Mozilla, a Metaverse platform and seeks interactive possibilities between the physical and virtual spaces through technology in the digital environment.
Bosun
Bosun is a freelance writer who enjoys finding and portraying a small light in the darkness of one’s heart. She practices veganism, hoping there will be fewer lives that suffer. She is the author of The Lonely Dinosaur Cartoon (2021), My Veganism Cartoon (2020), and To the Stars after Being Lost in the Ordinary (2016).
Hannah Seo
Hannah Seo has authored The Jargon of Love (2021) and The Female Pied Pipers (2020). One of the favorite comments she received from a reader is “Her writing makes the place so magical that if she invites me for a drink, I would say, Sure, anytime.” She believes romance begins when a woman loves herself.
Bora Lee-Kil
Bora Lee-Kil writes and makes films, believing that being born to deaf parents made her a natural storyteller. Her books Road Is School (2009) and Road-Schooler (2009) tell stories about her quitting school at 18 and solo-traveling in Southeast Asia. Her film Glittering Hands (2014) shows the beautiful world that her deaf parents encounter from the perspective of a daughter as a film director, and a homonymous book was published in 2015. A War of Memories, a film about the different memories of a massacre of civilians committed by Korean soldiers during the Vietnam War, received the jury's special mention for the Wide Angle Competition section at the Busan International Film Festival in 2018. Lee-Kil also received the 2020 Young Amsterdam Support Award, given to young artists in Amsterdam and was officially invited to the Berlinale Talents' Doc Station at the 2020 Berlin International Film Festival. In 2021, she received the Gender Champion Award for women leaders worldwide presented by the Dutch government.
Mina Ha
A nonfiction writer, Mina Ha studied earth environmental science and philosophy for her B.A and history of science for M.A. She was an activist in the feminist group Femi Dang-dang, which was initiated after the Gangnam Station femicide in 2016. She struggled with severe depression at that time and chose to write about it for her thesis to "escape" her master's program. Among her many jobs as a columnist, science reporter, and writing tutor, she decided to become a writer. She has contributed to many magazines such as SisaIN, Hankyoreh21, and Hankook Ilbo. In 2020, she began writing her book Crazy, Peculiar, Pompous, and Smart Women, a collection of research, encounters, and concerns of her, published in 2021. Ha is interested in how humans cognize the world and the relationship between the worlds that exist differently according to an individual’s cognition.
PACK.
Formed in 2017, PACK. has had an active online and offline presence, working in different fields, including exhibition curation, web development, art education, research, branding, design, and publication. In addition, they collaborate with various experts—artists, curators, and developers—to organize communities for creators and curate new projects, exhibitions, and platforms at the intersection of art appreciation and collection and technology. Their notable exhibitions and projects include Hinterland (2022, New Art City, online exhibition), ALL, ALL, ALL NFT (2021, Space Four One Three). PACK 2019: Adventure! Double Cross (2019, Post Territory Ujeongguk), PACK 2018: Tinker Bell's Journey (2018, Space Four One Three), off (2021, Space Four One Three), Art Street (2020, STORAGE by Hyundai Card), and Take Me Home (2019, Platform L).
2022 ARKO Art & Tech Festival
The Fable of Net in Earth
August 11 – October 23, 2022
ARKO Art Center Gallery 1, 2, SpaceFeelux, ARKO Archive Lounge, Online Platform NewArtCity
Online Exhibition Mycelia Garden
newart.city/world/arko-festival-2022
The Fable of Net in Earth Website
www.fable-net-earth.art
Artist
Clara Jo, eobchae, HONF (The House of Natural Fiber), Keiken, Mooni Perry, Morehshin Allahyari, Natasha Tontey, Song Min Jung, Sunjeong Hwang, Sunpil Don, Youngjoo Lee
Artist × Guest Curator
Anna Kim, Vishal Kumaraswamy × Ritika Biswas
Clara Jo × Mara-Johanna Kölmel
Li Yi-Fan × CHEN Hsiang-Wen
Pre-exhibition Workshop
「Worlding-with」 & Writer
Bora Lee-Kil, Bosun, Hannah Seo, Mina Ha
Hosted by Arts Council Korea
Chairman Jongkwan Park
Director General of ARKO Art Center Jade Keunhye Lim
Director of Operations Hyeju Choi
Curator Haena Noh
Coordinator Eugene Hannah Park, Seonghyeon Cho
Intern Subin Kang, Seunga You
PR Communications Sangeun Park
Museum Manager Sangmi Lee
Facility Manager Cheonhak Yoon
Online Exhibition Co-curation and Production PACK.
Concept Art Moohyun Park
3D Production Haneul Oh, TSC
Sound Sabina Hyoju Ahn
Graphic Design and Website Development y!(와이팩토리얼)
Media Solution Manri art Makers
Exhibition Design Post Standards
Construction Nokdam Inc.
Artwork Production Woohyuk Kang
Video Translation Woojin Jang, Inyeong Yang
Video Captioning Jeong Film
Artworks Transportation·Installation TNL Dasan Art
Editor Seoyoon Jang
Translation Miji Lee, Sujin Lee, YewonLee, Jiyeon Hong
English Copy Editing Hamin Kim, Ryan Karsten
Photography Chulki Hong
Videography Sindae Kang, Euirock Lee, PACK.
Advisor Jeongtae Kim, Yoonha Choi
Hosted by
Collaboration with
